crítica literaria


CRÍTICA LITERARIA

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El libro El resplandor de la lágrima, editado por Renacimiento, de Belén Núñez.

Por Paloma Fernández Gomá

Viene a mis manos este libro de la poeta Belén Núñez, que no tiene fecha de caducidad. Sus versos fecundos investidos de la llama de la poesía, la que prende en, no todos los libros de poesía, hace que me detenga en todos sus poemas. Poemas sin título, pero con el titular de sus versos emplazando a su lectura, adentrándose en el alma de cada poema. Veintiséis poemas con nombre propio que nos trasladan a la vivencia dilatada del tiempo - emoción - sensación de la poeta Belén Núñez. Nuestra poeta nació en Triana (Sevilla). Anteriormente ha publicado La música del sol (1996). Su poesía con sentido carácter emocional rememora la tradición andalusí del amor. 

El primer beso, el último abrazo pendiendo de un recuerdo (pag. 15).
Los años recorridos (pag, 16)
La fisonomía de una ciudad (pag. 19)
El resplandor de la lágrima (pag. 20)
El otoño (pag. 27)
La salina (pag. 28)
Los poemas se suceden, el libro avanza. La poeta traslada su intuición a los versos que acreditan la aventura de escribir un poemario con voz propia.
Leemos:
Como pega el sol de noviembre a las rejas,/el dorado fulgor callando la tarde./Los naranjos parecen antiguos bodegones mientras su luz inquieta./ Reflejos solares se adhieren en las hojas./Ya es todo  poder ser esto./Ya  todo es  un milagro. (pag. 30)

Tu son de adormidera esta  noche/ y las lenguas de sol a mediodía/ rozándote la cara/y desandarte el alma y ni la espalda,/ abrazarte detrás hasta chasquear los dedos./Y amarte  mi amor, amarte.(pag. 31) 

Los  poemas de Belén Núñez  en este libro El resplandor de la lágrima iluminan las horas que discurren por las páginas del poemario.  Veros de  vida,  amor, muerte, espera y reconciliación, que suscitan la  esperanza de ser y estar en cada  momento y en cada lugar. Encardinando poesía  con palabra, deseo  con pensamiento y vivir con quizá, esperanza.

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Tipos de interés. Relatos breves,  de José Cenizo Jiménez. Ediciones Vitruvio. 2020.

Por Paloma Fernández Gomá

José Cenizo prestigioso crítico literario y flamencólogo, nos presenta este libro de relatos breves, que suman un total de treinta y cuatro, todos ellos intensos, con la tónica común del interés que despiertan en su lectura, en momentos misteriosa, a veces irónica, siempre humana.

El prólogo del libro es de Antonio Rodríguez Almodóvar; y en él me gustaría destacar algunas  consideraciones que creo esenciales a la hora de hablar de esta obra de José Cenizo: Su figuración del mundo. Punto de irrealidad. Así pues figuración e irrealidad son dos ejes esenciales en este libro, bajo mi punto de vista.

José Cenizo ejecuta su propia figuración del mundo con personajes no atípicos, pero sí diferentes a lo que asumimos como cotidianos o normales  desde la perspectiva que acostumbramos a vivir a diario. Así pues, el cartero, el huérfano o aquel hombre que iba a tomar café al mismo bar, a las cuatro de la tarde, son personajes diarios, pero en los relatos de José Cenizo toman una dimensión que va más allá de lo que suponemos como habitual.

En referencia a la irrealidad, el otro eje que he tomado como identificativo de este libro; constituye  una tendencia que se mantiene en la obra, dando un carácter de vía intermedia entre hecho real y lo parapsicológico ( como en el caso de las mariposas que barruntan una muerte cercana). En otros relatos la ficción corre paralela  al terror, como en el caso del lobo que devoró al abuelo.

Los relatos de José Cenizo en ningún caso nos dejan indiferentes.

Cada relato tiene su impronta y aunque no tienen nada en común, sí nos  llevan a establecer un estilo diferente y muy personal de contar las cosas.  Bien merecen denominarse relatos cortos en el más amplio sentido de la palabra “corto” rehuyendo a ese esnobismo de llamar relato corto, a lo que constituye poco más de una frase.

José Cenizo se centra en el hecho que nos quiere transmitir, siempre de forma breve y guiando nuestra atención directamente, con un lenguaje preciso y bien definido.

He querido rescatar de entre todos los relatos sólo cinco, sin desdeñar ninguno de los otros; sólo por lo que personalmente me pueden transmitir estos cinco:

Las tribulaciones de Margarita Alcántara. A las cuatro de la tarde. El alma de las mariposas. Apenas una sombra. El lobo.

Bondad y maldad, interna o externa; dos caras de una sola moneda, moneda - persona ¿ Cuál prevalecerá?. En el relato Las tribulaciones de Margarita Alcántara, se desvelará después de una noche.

La imaginación vuela, determina y delata la acción de este otro relato breve:  A las cuatro de la tarde. El hombre que entra en el bar, siempre a las cuatro de la tarde buscando su mujer ideal. El camarero solícito que vive esa historia,  quizá su propia historia.

Esta vez no es el efecto mariposa, es El alma de las mariposas de José Cenizo;  donde las mariposas son  augurio de muerte,  que se cumple  en hora y día. Presagio funesto que planea en su vuelo.

Apenas una sombra es el título de otro de los relatos. Sombras que se van perdiendo en el recuerdo de los que ya no están; y sin darnos cuenta flota en nuestra propia conciencia, fluyen como nuestras.

El relato El lobo lleva tintes misántropos. El lobo que se comió al abuelo y al padre del autor. El padre lo relata. Juzguen ustedes.  Fantasía, misterio o es que el abuelo y el padre bebieron de la singladura atávica del lobo y el autor lo quiere hacer ver como si se los hubiera comido.

José Cenizo explora personajes y sus características y nos ofrece su visión más personal, para que el lector imagine, suponga o saque sus propias conclusiones.

Un libro que experimenta sensaciones y se adentra en las posibles conducta del hombre.

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La lactancia seca de Rocío Biedma. Editorial Autobiografía. Barcelona 2021.

Por Paloma Fernández Gomá

El libro Lactancia seca de la poeta Rocío Biedma se divide en seis apartados: Los niños de la guerra. Los ahogados. Los que huyen de la barbarie. Los feminicidios. Las madres. La esperanza.

Todos son puntos esenciales de un único tema que es el centro del libro y constituye su leitmotiv. Me refiero a la queja en forma de  llamada de atención a la totalidad de lo que sucede en la sociedad de este siglo XXI que habitamos, quedando insertada a lo largo de todo el libro y, cómo no,  presente en los poemas.

Los versos de Rocío Biedma retoman la línea de atención del poemario, y que la autora se ha propuesto de forma inminente, para llamar a la puerta de la conciencia de aquellos lectores que se acerquen a Lactancia seca.

Todos los poemas del libro son esenciales, todos transmiten fuerza y despiertan la atención de los lectores desde una perspectiva de humanismo – social, buscando iniciar una lectura de compromiso literario – humanista del que estamos muy necesitados.

Me gustaría citar algún poema de Roció Biedma para que quedase patente el marcado carisma que la poeta imprime a su obra.

He elegido un suceso que nos marcó hace años y que aún sigue conmoviéndonos; se trata del caso Marta del Castillo, un crimen sin resolver, a pesar de estar detenidos los presuntos autores.

“Tal vez, si te busco detrás de cada astro/y pregunto a los lirios si por aquí soñaste,/se me haga más fácil, este echarte de menos/que aconseja el atajo que eterniza tu ausencia./ 

Tal vez, si te nombro a escondidas/con este amor de madre,/que escarba con las uñas/los terrones inciertos,/te regrese a mi llanto;/y un manojo de días te coronen la frente/y te alienten la vida, tal y como te hube pensado./

Tal vez, sé que pretenden esconderte/en las profundidades./Y tú, inundas este carnal espacio/cuando sales cada día con el sol/y te veo alzar la mano, ya de espaldas,/para decirme adiós desde la calle./   

Y luego en el silencio hostil,/percibo ese aroma a café,/el sonido arterial de la cucharilla,/las horas amordazadas,/que transitas cual mariposa,/irradiando tu luz entre mis cosas.”                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                   **********************************************                                                                                                                                                       

Título: Felizidad

Atutor : Olga Novo

Editorial: Olifante

Por José Antonio Santano   


                               Felizidad

Sería aterrador vivir sin poesía. La poesía está en todos los objetos y seres vivos. No  podemos escapar a su influencia, a su perseverancia, a su existencia, no solo la que fluye en la palabra escrita, sino también aquella que revolotea en cada uno de los silencios que nos acompañan mientras vivimos. Nada existe sin ella. Podría decirse que la poesía nos hace ser lo que fuimos, somos y seremos, nos condiciona aunque nos cueste percibirlo. Está ahí, delante de nuestros ojos, en el aire que respiramos, en la voz de la lluvia o en la tierra que pisamos. Poesía de la nostalgia y de la luz. La poesía como estallido y quietud, ley de contrarios, como la vida, vida en sí misma, como lo es  el libro objeto de este comentario, Felizidad, que merecidamente ha sido galardonado recientemente con el Premio Nacional de la Crítica de poesía en gallego, autoría de Olga Novo (A Pobra  do Brollón, Lugo, 1975), publicado por uno de los sellos editoriales españoles más singulares del momento actual, Olifante, con traducción y notas de Xoán Abeleira, quien nos aclara que «el título original del libro es un calambur creado a partir de la división en dos partes de las sílabas del vocablo gallego felic-idade: Feliz Idade (Feliz Edad). Un juego semántico que, por desgracia no es posible mantener en castellano».  Desde sus primeras páginas el lector puede comprobar que se trata de un poemario lúcido, nacido de una experiencia vital que trasciende lo puramente cotidiano y donde el tiempo marca la expresividad del yo poético, que se debate entre el nacimiento a la vida de su hija Lúa y la muerte del padre. Principio y fin de un tiempo que no puede detenerse y en el que Novo proclama el amor y la belleza como razón existencial. Todo se sucede de forma natural, y entre el crecer de la hija y el decrecer del padre, queda al descubierto un poderoso vínculo con la palabra, con la poesía. La poesía entonces toma el vuelo hacia lo más secreto y lo más hondo hasta sentir que el oxígeno se acomoda muy adentro del cuerpo, muy adentro del alma, en el centro mismo del corazón, y fluye y fluye sin parar. Felizidad es un libro mágico, doloroso y tierno al mismo tiempo, porque bebe de una experiencia vital única, pero también un canto extraordinariamente bello. Olga Novo afirma que “la belleza salva”, como también la poesía, añado yo. Y así, con estas mimbres, Novo construye un universo personal de una grandeza inequívoca: «porque un milímetro de vida / basta / para saber / que un milímetro de vida basta / para que persista la vida». Esta es la poesía honda e introspectiva de quien se ha dejado embaucar por el sonido de una rama, el rugido de un bosque o el silencio de la piedra, una poesía directa al corazón. Como dice la poeta en la Carta proemio, “la poesía es un acto radical de vida”, y, ciertamente, indiscutible parece esta aseveración cuando nos adentramos poco a poco en Felizidad, cuando nos dejamos llevar por la música de sus versos en nombre del amor paterno: «Estabas allí / sentado / yo admiraba tu potencia de bicho sin domesticar / que hozaba en el aire y me había concebido a mí / que lloro leyendo los versos de Derek Walcott / como si entre nosotros mediasen tres siglos o más / y era una victoria sobre el mundo que tu hija escribiese libros / que tú no leerás nunca». Pero la palabra viene a la vida y se va también hasta oscurecer el mundo en el más aterrador de los silencios y olvidos: «Porque al fin / papá / te diriges a mí sin orden en tus órdenes / y  deshaces la sintaxis igual que desgranabas habas / y todo cobra el sentido profundo de cuanto no tiene lógica / ni está sometido a nada. // Igual ves cómo se me encoge el alma / cuando se te encoge la tuya». Es la poesía de Olga Novo vital, amorosa, indómita en su belleza, y la emoción, el instrumento que la crea y la define: «Y yo aún no sabía / que la poesía tiene ojos / como el pan / esas burbujas de dióxido de carbono / que contienen los secretos del Universo / y calman el hambre / y ven / más allá de lo invisible».

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Concierto de contrarios de Juan Ramón Torregrosaa Torregorsa. Ediciones Entorno Gráfico. Granada 2017.

Por Paloma Fernández Gomá



Descubro al poeta Juan Ramón Torregrosa a través de su libro “Concierto de Contrarios”. Amor, tiempo y mundo, esa extraña burbuja que nos envuelve en todas sus vertientes y controversias; invitándonos a desvelar mensajes y percepciones, aquellas que duermen en este Concierto de Contrarios, donde los versos se suceden como la vida misma en una corriente de imprevistos, sensaciones y vivencias.

Las citas de Jorge Guillén, Miguel de Unamuno, Francisco de Quevedo, Agustín de Hipona y Fernando de Rojas nos hacen reparar en los gustos poéticos y humanistas de nuestro autor, así como en la amplia y variada visión que para él supone la poesía.

Su libro recorre espacios de compromiso y acercamiento en un ámbito de rigor literario, donde los versos alcanzan cercanía y excelencia.

Estamos ante cuarenta y dos poemas divididos en cinco apartados, estando el último de ellos compuesto por un solo poema, que con el título: “Dos vidas” nos invita a compaginar trajín y ociosidad (paz y acción).

El prólogo de Fernando Parra Nogueras nos lleva a acercarnos a los poemas de Juan Ramón Torregrosa y dice textualmente: “Este recelo ante el hombre produce en el poeta una desorientación ante  un mundo, el actual…Pag 11

Y es este recelo, quizá esta  impotencia del hombre ante su mundo más cercano, el  que invita al poeta a explorar en sus momentos, en su vivir cotidiano, para avanzar en un mayor conocimiento de sí  mismo, a través  de  su poesía.

 Conforme vamos leyendo este poemario nos introducimos en una poesía de matices con voz propia y generosa, que siempre nos motiva.

Leemos:”La nieve cubre prados y senderos/que se adentran y ocultan/entre árboles desnudos, ateridos/como tus labios secos y cortados.” Pag.58

“Corrí desesperado, como un loco,/por la playa desierta. Un miedo frío/se  apoderó de mí. No estaba solo./Aquella huella infame no era mía./¿De quién podría ser? Más de veinte años/llevaba construyendo con tesón/un mundo confortable a mi medida./ La soledad no me pesaba y era,/feliz, el soberano sin rival/de aquella isla que Dios en mi desgracia,/generoso me había destinado.”pag.46

Y seguimos adentrándonos en los poemas de Juan Ramón Torregrosa, para pararnos en el poema “Teatro Griego”. Un poema corto de gran calado, donde arraiga el sentimiento del poeta, con visos románticos: Qué pequeños los hombres, los actores;/los dioses, qué terribles y crueles./Indiferente, la naturaleza/ sigue su curso./Los olivos viejos,/el aire, el cielo azul/y estas piedras sonrosas son testigos:/continuidad de la tragedia eterna.

Juan Ramón Torregrosa es poeta de oficio y vocación. Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Barcelona, nación en Guardamar del Segura (Alicante) en 1955, doctorándose en Teoría de la Literatura, del Arte y Literatura Comparada por la Universidad de Granada.

También ha escrito teatro y crítica literaria y ha sido coautor de libros de texto de Literatura Española y Universal.

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 Mecánica de fluidos de Santiago Redondo Vega. Ediciones Vitruvio 2018.

Por Paloma Fernández Gomá



Como bien apunta el autor en el Preludio de su libro: “De todo lo que por el mundo fluye se alimenta el espíritu del ser humano”. Esos fluidos que son elixir de su existencia, le rodean y le hacen ser tal cual. Las leyes físicas conviven con el hombre  en su día a día y dictan sus obras. La naturaleza y sus fluidos, sus leyes, la Física, Arquímedes y su principio, las Matemáticas y la relevancia de sus algoritmos que conciertan, acotan y descifran “el íntimo fluir de un no sé qué, que –al menos íntimamente-le ayude a imaginarse, a creer, a soñar que vuela libre” Y será aquí donde Física y Poesía se dan la mano en este poemario vibrante, que apuesta por el hombre y su dimensión más allá de lo material.

El libro está dividido en cuatro apartados, cada uno de los cuales consta de quince poemas bajo el nombre de Hipótesis básicas, Hipótesis del medio continuo, Concepto de partícula fluida, Estados de equilibrio.

Para nuestro autor la Poesía es esa dimensión esencial que acentúa el límite entre lo material y el espíritu. Es ese punto donde el hombre encuentra su dimensión más humana  en la que lo inmaterial cobra presencia y trasciende para ser vínculo de experiencia a través de la palabra. Con Santiago Redondo Vega, la palabra toma esa dimensión necesaria que transfiere dimensión más allá de lo puramente material.

El apartado Hipótesis básicas contiene poemas derivados de una emoción permanente del poeta que lleva su mirada sobre el deseo depositado en sensaciones, la persona, la vida o la tristeza “emboscada en los cristales”.

En el siguiente apartado Hipótesis del medio continuo. La sensación del poeta se expande hacia el recuerdo, la soledad o la lluvia.

Después en el Concepto de partícula fluida, tercero de los apartados,  los poemas encuentran cierta conexión entre materia y lo espiritual o código sensitivo que enumera poemas y escribe sensaciones.

Y llegamos al último de los apartados donde el equilibrio es el eje que dirigen los poemas hacia una plena sostenibilidad.


Todos y cada uno de los apartados en  sus distintos poemas están escritos desde una conciencia sensitiva, que apuesta por el valor poético.

Leamos el poema "Noche": 

Noche

de entablillado espectro, negra/percepción que entumece con terquedad la sombra./Rompe/ un violín la abstracción de la nostalgia/altisonante y cuerda,/tose un oboe,/y un saxofón renuncia , sin más, a seguir vivo./¿Con cuánta oscuridad se alumbra el miedo/en bulevares de silencio ilícito?/Me ha dado por pensar, sentirme aupado/sobre esta tierra abúlica y con asma/que insonoriza de ebriedad los féretros./La muerte es un lugar, una inclemencia/ vacía y delatora/de filo embaucador negro y cortante./La muerte  es impiedad, aunque no duela;/al fin y al cabo –amor-/la muerte es muerte sólo.(pag.56).

En este poema se muestra como los versos de Santiago Redondo Vega son esa sincronía perfecta que guarda Física y Poesía. Materia y espíritu sostenidos por el vínculo de la palabra, la frase, el verso, que el poeta interpreta y transmite de forma tangible en este libro Mecánica de fluidos.                         

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Título: Estanterías vacías     

Autor: Ricardo Bellveser

Editorial: OléLibros (Valencia, 2020)  

Por José Antonio Santano

 


Estanterías Vacías

 

            Nunca el verbo se hizo tan carne, carne herida y sangrante. Carne de otra carne dolorida, carne hermana, carne gemela, esa que solo la palabra puede explicar en sí misma, porque grande y generosa son las huellas dejada en ella, la carne, señales y cicatrices que solo el verbo es capaz de mostrar en su rotundo esplendor de cenizas o de luz. Horadada la carne se halla el verso más limpio y puro, como si te hubieran abierto las entrañas y notaras fluir toda su esencia, desnuda y libre, cuando el tiempo cae sobre el mundo como una gigantesca losa que acalla todos sonidos del silencio. La carne y el verbo, la palabra renacida una vez y otra, hasta la extenuación. Nunca el verbo se hizo tan carne como ahora, nunca. Y digo esto por aquello de que la “literatura es artificio”, que queda bien para la abstracción teórica, pero no para el poeta, sobre todo, que es un ser ungido por la revelación, el conocimiento y la emoción. El poeta, desde su experiencia no puede ni debe dejar de expresar lo que adentro lleva, lo que es carne y alma al mismo tiempo. No puede abstraerse de lo que es, de su humanidad como tal, de su lugar en el mundo, de la emoción que contiene todo lo creado y sobrevenido a su mirada, a su verdadera concepción vital. Porque la poesía es vida, y la vida, todos lo sabemos, nos sitúa en realidades que no se pueden abordar exclusivamente desde el artificio, sino también y acompañándose de la emoción al sentirlas, al vivirlas. Esta es la cuestión de fondo. La poesía que se escribe desde el mestizaje de lo uno y lo otro, es decir, desde el conocimiento y la emoción, trasciende, llega al lector con una gran dosis de humanidad, que no puede ser talada de un hachazo por la simpleza de una modernidad falsa y una mirada corta, sin horizonte alguno. El poeta verdadero bebe de una y otra fuente, y esa es la diferencia entre una poesía clónica, plana, amorfa y otra, personalísima, clara, culta y viva. Y en esta estamos cuando hablamos de un libro, una obra singular, diría que maestra, de la poesía española actual, cual es Estanterías vacías, del gran poeta valenciano Ricardo Bellveser, y publicada por la destacada editorial OléLibros. No es Estanterías vacías un libro más que viene a engrosar la lista del gran número de títulos que se vienen publicando en nuestro país, todo lo contrario es “el libro” que uno querría haber escrito o el que siempre se deseó leer. Es un libro, que si se me permite, diría que tensa, que identifica, que marca un camino y una esperanza, a pesar de su dramatismo argumental, que no deja indiferente al lector que se acerca a sus páginas, que desde la primera lo mantiene imantado a ellas. Los anteriores libros de Bellveser cumplieron sobradamente su propósito, y en su buen hacer nadie duda, pero estas Estanterías vacías son, por decirlo de una manera gráfica, la guinda del pastel. Sabiduría y emoción son su esencia, y ambas, al unísono, se reparten el protagonismo, sin duda, pero si tuviéramos que delimitar alguna, diría que la emoción potencia a la otra. El yo lírico de Bellveser en este libro es de tal calibre que deja al lector perplejo, por serlo en su grandeza y generosidad poética. Es el mejor, que ya lo era, de todos los Bellveser anteriores, el Bellveser definitivo, el más puro poéticamente hablando, el poeta de raza, que ha sabido, nunca mejor dicho, trascender lo aprehendido al verso, a la palabra, que fue siempre el más sobresaliente de sus dones, y Estanterías vacías, lo contiene: «Desde su alto, / ya no llueven palabras / ni se enredan los espesos nubarrones / entre mis libros. / Mi biblioteca viva, / tenía su voz y sus truenos, ahora / el silencio se ha ido adueñando / de los estantes, y apenas percibo / su jadeo, como el de quien retrepa / el empinado barranco de la melancolía. / En ellas no hay susurros como antes / los había, ni eco de voces que retruenen / por las paredes del desfiladero / que se inventaban las portadas alineadas / como abedules en los rusos bosques, / cuyas hojas el otoño ha enrojecido. / No existe lugar donde protegerme / de los vendavales de las ideas. / Aquel griterío, se ha transformado / en silencio y ausencia de las cosas». La decisión de donar sus libros determina el hecho poético de este libro. Esa vaciedad de las estanterías, para el hombre que siempre anduvo pegado a ellos, viviendo en ellos, provoca una terrible  tormenta interior, pero aún así, se sabe recompensado. Es esa soledad contemplativa del vacío la que conduce a la revelación, al origen de lo creado para vivirla en primera persona, y crear él un mundo nuevo donde el dolor de esa soledad y la esperanza de lo por venir adquieran el valor de la emoción, que traslada magistralmente al verso: «Con ello me voy despidiendo / de los amigos que han viajado / conmigo tantos años y recuerdos / tras la colosal ruido que allí había, / los ensayos, las epopeyas, las historias / inventadas contadas como verdades, / mis libros amados, compañeros, reos. // El tiempo ha podido con todo, / y podrá hacerme olvidar / aquel que fui cuando no sea». Esta es la poesía tonificadora, expresión máxima de un sentir que deviene en magisterio y en creación intachable. Es el verbo hecho carne que decía al inicio del texto. La carne y el alma consumidas. Esta es la verdad poética de Ricardo Bellveser, indiscutible, trascendente, sin artificio, pero con el magisterio que los libros y la cotidianidad de lo vivido han hecho de él un gran ser humano y un gran poeta. En su poética se advierte lo diferente, que no es sino lo íntimo, el yo poético llevado hasta sus últimas consecuencias, y en esa diferencia estriba la riqueza respecto al otro, y respecto a sí mismo. La pluralidad de lo diferente es la grandeza de lo particular, de lo individual frente a una misma realidad externa. Esa es, quizá, la principal enseñanza de estas Estanterías vacías, el hallazgo más sobrecogedor de este libro que nace para perpetuarse en quienes aman la poesía y la vida. No hay más magia que la de la propia palabra, la inspiración sustentada en lo vivido y sentido, como el río que nunca se detiene y en su soledad desemboca en una otra más inmensa tal es la mar: «Las estanterías vacías. / El péndulo del reloj, detenido. / El viento en calma chicha. / El sol abrasador, la brisa muda. / Un alacrán camina mi conciencia, / mientras una mosca se ha enredado / en la tela de araña, y sus alas se ha pegado / a la viscosa red casi transparente, / en la que la agonía va tomando forma. // Todo anuncia el fin y el fin adviene». He aquí la esencia poética de Ricardo Bellveser, en un solo poema, el primero de la serie que compone este libro, y en el que solo he querido detenerme expresamente por entender que en él confluye todo en un tiempo único. El resto de poemas lo complementan y lo engrandecen también, pero he querido, conscientemente, dejarlo para los lectores que se acerquen a él, con la convicción que seguirán deleitándose con su lectura, pero a veces, un solo poema condensa y perpetua toda una obra. Resumo este comentario, que no ha sido sino un aleccionador viaje a la médula de la poesía,  en este caso a la esencialidad de una de las voces más sobresalientes del panorama actual de la poesía española, la del valenciano Ricardo Bellveser, con los versos que cierran esta apasionada aventura poética: «No es necesario coincidir en el tiempo, / basta con hacerlo en la emoción / y el tiempo desaparece al abreviarse. / Yo ya no estaré cuando leas esto, / mas mi voz pensada, en ti se preserva». Poesía a borbotones, diferente, en la que el verbo se hace carne, pura emoción y esencia.

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      La Tierra y El Cielo de José Manuel Ramón. Editorial Ars Poética 2018

Por Paloma Fernández Gomá






José Manuel Ramón, Orihuela (Alicante) 1966. Escribe “La Tierra y El Cielo” Ars Poética 2018 un poemario con prólogo de Miguel Veyrat, donde el cielo y la tierra se tocan con sus alas únicas, abrasadas de sol unas y otras de fuego mortal.

Abre el libro las citas de Jeans Clottes,  Hildegrad Von Bingen y los oráculos hallados en tabillas de arcilla en el Valle del Kifdum, Antiguo Oriente, que adentran de algún modo en el mundo del poemario.

Un poemario que asume de alguna forma los principios de la naturaleza: aire, agua, fuego y tierra; y el poeta los lleva a su campo de acción. El cielo, el aire. El agua, el hielo. El fuego, fusión. La tierra y la nieve. Legados arcaicos que se conjugan en un poemario.

El poeta observa el cielo con citas en cursiva y poemas, que miran una realidad que gota a gota nos cubre y origina la sucesivas secuencias de lo vivido. En la misma sincronía José Manuel Ramóm pisa la tierra y sus surcos:

“ sin descanso/ danzaron entre brazos de fuego/como ingrávidas osamentas/atraídas por ritmos/tribales/danzaron/e invocaron espíritus/que preservaran las conquistas/y danzaron en círculo/para que el alma alcanzase/nuevos territorios y sentidos/como hermosas visiones/de la vasta dimensión/o diáfanas lascas del pedernal eterno/sin descanso danzaron/rozando altas energías/danzaron y danzaron/descarnado breviario enigmas/como estaciones descortezando la vida…”

Palabras llenas de energía que consolidan esa mirada cosmogónica de latidos que se funde en versos,  versos que se expanden buscando realidades etéreas que se suspenden en márgenes inviables y hablan y generan poesía.

Así es La Tierra y El Cielo de José Manuel Ramón                                                                                                    **********************************

Título: La metáfora del mirlo     

Autor: Pedro Ojeda Escudero

Editorial: Eolas & menos lobos (2020)  

Por José Antonio Santano

 

 

                                                           La Metáfora del Mirlo

 

           


En los días aciagos de un año, 2020, que difícilmente olvidaremos, y con una voluntad férrea, emergía de entre las sombras, un hálito de esperanza en un pueblecito de la provincia de Salamanca, Béjar. En aquellos días del mes de marzo, cuando todo parecía desvanecerse, como queriéndose parar el mundo, sin horizonte casi, y anidando un silencio sepulcral en todas las calles y plazas de nuestros pueblos y ciudades, amén de que los muertos comenzaban a contarse por decenas primero y luego por centenares hasta alcanzar miles de cadáveres a causa de un maldito virus, nos esperanzaba, aunque no mucho, todo hay que decirlo, escuchar la voz de un poeta, leer una novela o dejarse llevar por  el sueño de un paisaje deseado o una música que recorriese el cuerpo de pies a cabeza. De ese tiempo, digo, y aun sabiéndose herido por la incertidumbre y el desasosiego, brotó una creciente necesidad de ser otredad, de compartir con el resto del mundo las horas y los días vividos, recluido en su hogar de Béjar. De la experiencia vivida al límite, como jamás se hubiera pensado que sería unos meses antes, surge “La metáfora del mirlo”, del poeta, escritor, ensayista, crítico literario y profesor de Literatura española en la Universidad de Burgos, Pedro Ojeda Escudero (Valladolid, 1963). Narra Ojeda en este libro su experiencia vital durante los meses de marzo, abril y mayo, centrada en la profunda meditación sobre la sociedad actual, donde la tensión ideológica, política, social, económica y cultural ha venido a replantearnos, quizá, un nuevo modelo más acorde con los tiempos por venir. “La metáfora del mirlo” es un viaje al interior hacía sí, al pensamiento y las ideas, a la necesidad de sustentar una sociedad, la nuestra, sobre bases más sólidas, es decir, más humanas. En ese trayecto Ojeda ha sabido sustanciar lo mejor y lo peor de nuestra sociedad actual, pero sobre todo, ha construido un universo en el que convivir todos sin discriminación alguna. La expresión humanista del contenido de este libro es suficiente para acrecentar la esperanza en el futuro, a sabiendas que el camino no será fácil, que necesitará, como todas las conquistas, del esfuerzo y la capacidad creadora para convertir en realidad  nuestros sueños. Reflexiones sobre política, economía, ética, naturaleza, literatura son acicate suficiente para acercarse a este texto, pero sobre todo, y permítanme que lleve el agua a mi molino, se aprecia una considerable tensión expresiva en el terreno puramente literario. Abordar tan variadas temáticas y mantener esa sensibilidad creciente con la que Pedro Ojeda vislumbra y certifica al mismo tiempo su oficio de escritor, su capacidad creadora para mostrarnos el interior de las cosas en ese abismarse en la nada para alcanzar lo absoluto no es fácil, y él lo ha conseguido. Prueba de todo ello es ese continuo ir y venir de lo hondo a lo cotidiano, y viceversa. Este es un libro, un diario del tiempo detenido, donde la fuerza de la palabra lo es todo, y el hombre su actor principal, el único capaz de atemperar calamidades, el centro de la vida y de la muerte. Y en ese estado laberíntico, el escritor no puede ser sino esa luz que  muestra la salida del túnel. Escribe Ojeda: «Es curioso. A pesar de que solo hace tres días que no salimos de casa, echo de menos, sobre todo, andar sin dirección fija. Con las manos en los bolsillos, despreocupado, como quien no tiene más oficio que no ir a ningún sitio en concreto». La ansiada libertad de un tiempo detenido y cautivo, como si nada más importara en el mundo, solo el deseo de ser libres, como los pájaros que sobrevuelan la sierra de Béjar, ese lugar mítico donde tanto brilla el silencio de los atardeceres y el amor es el único horizonte: «En el centro del paisaje, Mayca, que me salvó de la tristeza». He aquí, una vez más, el verdadero poder de la literatura en la serena voz del escritor y poeta Pedro Ojeda Escudero. 

 

 

 


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Título: La sílaba de ónice     

Autor: José Antonio Ramirez Lozano

Editorial: Junta Castilla-León (2020) 

Por José Antonio Santano

La sílaba de ónice

 


            Para un tiempo de desolación e incertidumbre como el que estamos viviendo, cuando el hombre no es capaz de ejercer de hombre y cumplir con su verdadero destino en la tierra, que no es otro que avivar el fuego de la solidaridad y convivir en paz y plenitud con sus semejantes, el remedio más eficaz es la lectura, si me apuran, un buen libro de poesía. En el panorama actual no es fácil hallar textos poéticos que, desde la primera a la última, nos entusiasmen; textos capaces de hacernos olvidar este disparatado e infernal mundo en que vivimos, y ofrecernos otros distintos, creados ex profeso para vivirlos con absoluta emoción. Entre esos pocos libros que a veces uno tiene la suerte de poseer está “La sílaba de ónice”, de José Antonio Ramírez Lozano (Nogales, Badajoz, 1950), merecido “Premio Fray Luis de León, 2020”.  Como una premonición resulta la primera cita del libro, de Octavio Paz: “En la verdad del tiempo no fechado”. Es este tiempo sin tiempo el que hace al poeta meditar sobre sí y el mundo que le rodea, buscar nuevas fórmulas que aplicar al poema, rebelarse y revelar lo oculto para crear otros espacios donde el poder de fabulación sea tan elocuente como intenso y lo narrado configure una verdad poética tan subjetiva como real. La capacidad creadora de Ramírez Lozano es extraordinaria y su voz un oasis de palabras de innegable belleza. En él siempre admiré al narrador y al poeta, pero he de confesar que a día de hoy, y tras la lectura de “La sílaba de ónice”, creo no exagerar si digo que estamos ante uno de los grandes poetas de España y el mejor de sus poemarios. Ejerce en este libro de poeta orfebre, y lo hace desde el primer poema “Fabián Duclés” («Este  hombre no sabe que se llama / Fabián Duclés y Samarí, / ni que ha vuelto a salir de un barrio de Munara, / una ciudad que tiene un río que se lleva  / las palabras usadas y a la que debe un día / volver para besar la piedra negra en que está escrita / la cruz de su orfandad, / el filo de una sílaba de ónice / con la que abrirse paso en las tinieblas.») hasta el último, “Vaca sola”, excepcional en su forma y fondo («Hay una vaca enorme aquí en mi sueño / que pasta entre las tumbas. / Una vaca que ignora el himno de los mártires, / el ciclo de las témporas / y que apedrean los deudos cuando acuden / con su hebra de luto y sus flores de plástico.»).  La capacidad de fabulación y síntesis de Ramírez  Lozano es abrumadora, no deja descanso para el lector y así construye un universo que destella, que crece hasta alcanzar la luz incendiada de la luna. Dividida en tres partes: “Fabulaciones”, “Invertebrados” y “Vaca sola”, el poeta muestra una originalidad infrecuente, con un lenguaje y pulso narrativo, a veces surrealista y otras de una certera observación del mundo que le rodea o intuye esencial en su existencia: «Hay vidas que no fueron vividas y de noche / toman cuerpo en las sombras y frecuentan / las vidas que los hombres descuidan cuando duermen». Podría señalar algún poema en concreto, pero todos y cada uno de ellos bebe de lo absoluto y la nada al mismo tiempo, se complementan y brillan con luz propia, crecen en su voz de sílaba y vuelan por el firmamento azul del lenguaje, de tal manera que un fulgor inesperado nos vive desde entonces para siempre. Ramírez Lozano busca en el abismo de la hondura, de las profundidades, debajo de la nada, la luz del pensamiento, y en la mar se precipita hasta encontrar su tesoro, el tesoro del mundo: «En el mar de Estambul hay una llave / perdida para siempre / que abre un cofre en Esmirna que contiene / la edad del mundo en cuentas / pequeñas de granates, el préstamo de los desheredados, el diapasón del iris». “La sílaba de ónice”, es un libro memorable y apasionante, escrito por una de las plumas más destacadas del panorama literario español, José Antonio Ramírez.  


 

                                                                                                                                          

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                         **********************************************************    

 Título: Necesito un isla grande     

Autor: Rafael Soler

Editorial: Contrabando (2019) 

Por  José Antonio Santano


 


                                            Necesito una isla grande

            El mejor de los refugios para estos días aciagos que vivimos es la lectura. Dejarse llevar por la letra impresa a los lugares más insospechados es de una extraordinaria necesidad. Romper momentáneamente al menos con la realidad más cruel y abismarse en los variados mundos que nos proporcionan las páginas de un libro parece perfilarse como uno de los remedios para este tiempo de penurias. Los libros nos ayudan a pensar, a comprendernos y comprender el mundo y ser más libres. Sin libros, por mucho que quieran sus detractares son un elemento esencial en la vida de los seres humanos, y como tal debiera de procurársele atención, una especial atención. Sin embargo, otras son las miras de quienes administran el común. Craso error que pagamos, ya lo estamos pagando, con el desmesurado crecimiento de la intransigencia y la insolidaridad, algo que no debe ni puede consentir el género humano. Para evadirnos, circunstancialmente, o penetrar en esos otros mundos del  imaginario o la fantasía están los libros, su utilidad más inmediata, pero también para conformar nuestra personalidad, nuestra identidad y nuestra libertad. En este sentido, cabe destacar un libro, una novela no muy extensa pero de una extraordinaria ejecución que nos acerca al mundo de nuestros mayores, concretamente a un grupo de ancianos de una residencia y que responde al título de “Necesito una isla grande”, publicada por la editorial Contrabando, y de uno de los escritores más solventes del actual panorama literario español, Rafael Soler (Valencia, 1947). A estas alturas no hay duda alguna de la excelencia narrativa de Soler, algo que viene demostrando con cada entrega, sorprendiéndonos siempre por esa continua superación de su apasionante discurso narrativo.  No me duelen prendas en reconocer que Rafael Soler es una de las voces más interesantes y necesarias de la actual narrativa. Su concepción del hecho narrativo es de una brillantez poco usual. Soler se adueña de las palabras para construir un universo único, el suyo, el de su verdad y no ceja nunca en el intento de aprovechar cuantos recursos le están a su alcance para dar vida a sus personajes de una manera diferente al resto de narradores españoles. Es su toque personal y contenido en la natural frescura de sus diálogos, por ejemplo, hasta el punto de hacer hablar a los muertos cuando tan complejo ya por sí es hacer hablar a los vivos; el mimo con el que estructura la narración, los silencios, el humor y la ironía que hacen de él un atípico novelista. “Necesito una isla grande”, en resumidas cuentas, es historia de un grupo de ancianos que viven en una residencia y al que les toca un  segundo premio de la lotería que marcará un antes y  un después en sus vidas. Soler es un maestro del diálogo, por su gracia natural en construirlo, y en esta historia mucho tiene que ver este recurso. La historia que se nos cuenta en esta novela contiene todos los ingredientes: amor, soledad, ternura, generosidad, compañerismo, miedos, humor, ironía, humanidad, muerte, y todos en esa coctelera mental del novelista toman las formas más variadas de emocionarnos, de producir en el lector ese temblor propio de la escritura rigurosa, rica en conocimiento y valores humanos, esa literatura capaz de hacernos creer que, pese a todo, hay que seguir caminando en la búsqueda de la felicidad, aunque solo sea de una pequeña porción de ella, porque la vida no es si no se vive intensamente a cada segundo. No es la primera vez que me acerco a la escritura de Soler y nunca hasta ahora me ha decepcionado, ni creo que me decepcione en futuras ocasiones, si las hubiera, que espero que sí. La razón es bien sencilla, Rafael Soler es un excelente narrador, su grado de percepción de lo oculto e imaginario es tan profundo que en su observación detenida del mundo que le rodea está su don más preciado, la luz que ilumina su literatura, tan especial y cercana a la vez, tan precisa en el lenguaje, tan viva y abarcadora, tan suculenta y necesaria.  

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Título: Los deslumbramientos seguido de Recapitulaciones      

Autor: Ángel Guinda

Por  José Antonio Santano 

                          Los Deslumbramientos seguido de Recapitulaciones

            La poesía es ese lugar al que se acude siempre que la vida golpea con dureza. El refugio donde el silencio trasciende y se hace luz y paz, plenitud. El poeta y Nobel Octavio Paz dejó escrito: «A veces la poesía es el vértigo de los cuerpos y el vértigo / de la dicha y el vértigo de la muerte», una definición que cuando menos nos hace reflexionar, hundirnos en el abismo de la nada y vivir en sus silencios para ser más nosotros y ser, también, en los otros, más hombres y más libres. Abrirnos en canal para vivirnos y asombrarnos por cada tiempo, cada objeto, cada espacio, cada palabra pronunciada, cada acto de vida, único e irrepetible. La poesía es como el oxígeno para nuestros pulmones y sin ella  nada somos. La poesía nos embriaga con su fulgor, con su continuo deslumbramiento que nos acerca a lo absoluto y a la nada al mismo tiempo. De este sentido último de la poesía nace este libro “Los deslumbramientos seguido de Recapitulaciones”, del poeta aragonés Ángel Guinda (Zaragoza, 1948) y al cuidado editorial de Olifante, serie Maior. Si nos atenemos a las distintas opiniones existentes sobre la poesía de Ángel Guinda hallaremos distintas y variadas, pero ninguna censurable, algunos, como Fernando Aínsa considera que es “la primera voz aragonesa y una de las más reconocidas de España”, y no le falta razón, porque Ángel Guinda ha construido, a partir de otros mundos, su mundo propio, su universo poético, y lo ha hecho desde una espiritualidad innegable y una profundidad de pensamiento extraordinaria, desde una individualidad enriquecedora por cuanto se precipita en el vértigo de lo vivido y aprendido o experimentado. Solo así puede construirse una obra poética de la calidad y la dimensión de la de Ángel Guinda, un poeta que no deja de preguntarse y ahondar en las muchas realidades y pocas certezas. Una forma de ser y estar trasciende en el luminoso verso de nuestro poeta: «¡Ser humano, rodar / entre el suelo y el cielo! / ¿Vivir devora el tiempo / o el tiempo nos devora? /¡Quiero abrazar el aire, / pero el aire me envuelve / sin que yo me dé cuenta! / ¡Nacer es deslumbrarse!». Todo ronda hacia dentro en una búsqueda por despertar la esencia de la vida, de lo que ésta en nosotros y fuera de nosotros, y en ese ir y venir del poeta a los asuntos cotidianos halla su propia existencia, a veces en la nada y otra en lo pleno. Guinda ahonda en la belleza, en su sencillez de diosa y no se oculta, al contrario, regresa a la luz primera, al deslumbramiento del alba, a la génesis de todo, con un lenguaje de precisión de orfebre, revelando en la palabra toda plenitud: «En esta casa con cimientos de árboles. / Muda y aislada como un monasterio. / En esta casa donde el monte reza. / Cerca del cielo, contemplando el mar. / ¡Qué sereno está el mundo en esta casa! / En esta casa yo me quedaría. / A esperar la llegada del adiós». La capacidad de asombro del poeta se muestra desnuda, sin boato alguno, pero con la belleza propia que el verso bien hecho procura a la creación y enraizado en una mística renovada: alma y corazón. Pero si en los deslumbramientos Guinda nos descubre los silencios de la luz, no menos brillante es en lo que sigue, es decir, en las “Recapitulaciones”. Así, el poeta se pregunta por “la grandeza de lo insignificante”, recuperando de nuevo el hálito de lo invisible e indecible hasta alcanzar un estado de absoluta clarividencia. Es el tiempo y la memoria de regreso a la casa del poeta, al interior de su ser, al humano ser que lo habita: «Tápate los ojos con las manos, como un niño, para no / ver el mundo. / Busca las orillas del aire desde el balcón de la lluvia. / ¡Cultiva la serenidad! Vive austero. Apartado de tanta / vanidad, de tanta codicia. (…) Y olvídate de ti para ser tú con todos los demás!». Poesía de gran calado la de Ángel Guinda, determinante, como el  último verso que cierra el libro: «No hay más lúcida embriaguez que la Belleza».


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Editorial: Olifante (2020)       

 Acerca de los días de Fernando de Villena. Ediciones Carena. 2020.

Por Paloma Fernández Gomá



 

Fernando de Villena y su libro de poemas Acerca de los días. 


Acerca de los días es una recopilación de sus últimos poemarios, seis nuevos títulos , dos de ellos ya editados: Morir por mi demanda y Estampas de Vejecia, los otros cuatro son inéditos: Noticias que me duelen, La luna en la enramada, Libro de las peregrinaciones y Búcaro de cenizas.

Según nos cuenta en Nota Previa el autor afirma que sus poemarios se pueden dividir en los escritos como una suma de textos dispersos y aquellos que tienen una clara intencionalidad temática y estilística.

Sobre este libro han hecho reseñas muy acertadas José Antonio Santano y José Antonio Sáez Fernández; ambos son avezados críticos literarios con un largo recorrido en la  crítica literaria, además de relevantes poetas.

Acerca de los días es un extenso y sólido poemario del poeta, narrador y ensayista Fernando de Villena. Poemas llenos de sensaciones donde los días viajan en el tiempo.

Estamos ante un poeta que representa una de las voces más destacadas dela literatura española contemporánea. Pertenece al movimiento de la Diferencia y su poesía es una de las más preclaras. Una voz diferente, significativa, propia y personalísima que señala la autoría de sus poemas. Una Diferencia que hace propia y libre su obra.

Fernando de Villena está antologado por el también destacado poeta Pedro Rodríguez Pacheco en El unicornio en el café Libertad. 25 años después. Ediciones Carena. En la antología también figuran los poetas Antonio Enrique, Concha García, Antonio Rodríguez Jiménez, entre otros destacados autores de la Diferencia. En el cuaderno “Pedro Rodríguez Pacheco Las Poéticas de la Diferencia. El Bardo, colección de Poesía”, escribe su autor, Pedro Rodríguez Pacheco: Fernando de Villena, un luminoso poeta, actual, muy Siglo de Oro, en la corte de Felipe VI de España…”

Ante estas palabras del maestro Pedro Rodríguez Pacheco, al maestro Fernando de Villena, poco más tengo que añadir. Sólo me cabe hablar de algunos de los poemas de Acerca de los días, como muestra de la excelencia de la poesía de nuestro autor.

Una extraña quimera (pag.227). En este poema, Granada y su alma, los tilos de la plaza de Bibrrambla, aromas y jardines, junto al eco dormido que sólo recita el tiempo son el mensaje que nos recita el poeta para manifestar el amor que siente hacia su ciudad.

Relojes de Dios (pag. 27). El poeta evidencia la eternidad del alma.

En La poesía es imposibilidad (pag. 204). Leemos: “ Si me dieran el verso que explicase/el revuelo silente de los ángeles…” Imposible descifrar el intimismo que encierran los versos. Una lírica profunda que sondea el alma.

Continúan los bombardeos en Siria (pag.183). Los bombardeos de Siria golpean las sienes en la distancia, el poeta lo sabe y lo expone desde sus veros:”Este es el triunfo de los veinticuatro: el jardín de Israel está cercado/ por escombros y muerte”.

Cañizares acusa a los refugiados de ser “El caballo de Troya de Europa” (pag. 180). La desidia, política, su mensaje confuso y arbitrario, son motivos de denuncia para nuestro poeta.

 En el poema Paisaje interior (pag.158), el poeta nos descubre su íntima propuesta vital, desde un paisaje cercano, que acumula vivencias y paz.  

Los Difuntos (pag. 148), donde acecha la muerte y las presencias de los que no amaron nos protegen.

 España III (pag. 146) Fernando de Villena mira la España que vivimos, con la tristeza de ver como poco a poco se desvanece todo lo que fue y pasa a ser un reflejo oscuro permanente en la memoria.

  

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Palabras Encadenadas. Multiversos nivel cero, de Alfredo Barrera Cuevas. Letrame, Grupo editorial 2019.

Por Paloma Fernández Gomá



 

El libro consta de dos capítulos.

I Capítulo: Multiversos de los horizontes paralelos: Palabras encadenadas al lenguaje ideal.

II Capítulo: Multiversos de las generatrices continuas: Palabras encadenadas al lenguaje natural. Ambos capítulos se subdividen en otros.

El autor afronta la poesía desde una mentalidad de conceptos apriorísticos.  El libro tiene un carácter pragmático y conceptual, basado en quien entiende la poesía desde un punto de vista matemático. No en vano nuestro autor es doctor en Ciencias Matemáticas.

Poesía de verso libre, poesía rimada, prosa, microrrelatos y microensayos tienen cabida en este libro de jugoso contenido y experimentador de diversidades, si bien tratándose de un libro de poesía, o al menos así lo interpreto,  la poesía no es el contenido prioritario.

La originalidad del libro radica en el tratamiento que hace el autor de la poesía y de la prosa, sumándolas en el contenido de un solo libro, que es exponencial de un pensamiento, reuniendo experiencias desde distintas perspectivas o géneros literarios.

El gusto  por lo rural es un denominador común en esta obra. El autor nació en el pueblo de Las Navas de la Concepción (Sevilla).  El poeta se siente  bien  junto a la naturaleza y así lo  expresa.

La portada y el interior son dibujos de José María Reyes Cazalla

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Título: Las edades del viento     

Autor: Francisco Morales Lomas

Editorial: Dauro (2020)   

Por   José Antonio Santano

 


 

                                 Las Edades del Viento

 

            ¿El viento tiene edad? ¿Podemos hablar del viento exponiéndolo a las vicisitudes de un tiempo dado, una época, un acontecimiento histórico específico? Quizá desde un punto de vista meramente material no, pero como metáfora es de una extraordinaria agudeza. El viento va y viene, libre, no tiene dueño. “El viento sopla donde quiere, aunque oyes su murmullo, no sabes de donde viene ni adónde va…”, dice el Evangelio según San Juan (3:8), y el poeta chileno Gonzalo Rojas afirma que “Uno escribe en el viento:¿para qué las palabras?”. Cada interpretación es una verdad, al igual que la pretendida edad del viento. El viento puede ser interpretado, significado o experimentado de multitud de formas. Y esto viene a colación por una apasionante novela, de título “Las edades del viento”, primera de una tetralogía del narrador, ensayista, poeta, dramaturgo, profesor de la Universidad de Málaga Francisco Morales Lomas (Campillo de Arenas, Jaén, 1957). El anuncio de ser esta la primera novela de una serie de cuatro, del periodo de entreguerras en Europa, confirma que el poder de creación de este autor no tiene parangón en las letras españolas actuales. Su dedicación plena a la literatura no hace sino acrecentar un legado que no dejará indiferentes a quien se acerque a él. Confieso que esta primera entrega de la tetralogía anunciada es, por muchas razones, un monumental homenaje a lo mejor de la poesía del siglo pasado, en concreto al poeta Antonio Machado, pero también una inmensa obra que rastrea el pensamiento y las ideas de un tiempo histórico fascinante, el que va de los últimos meses de la II República española y el golpe de estado del General Franco hasta principios de la II Guerra Mundial, donde el amor es el acicate, la fuerza interior que mueve el mundo, siempre contenido en la idea de un humanismo abarcador y solidario. En las “Las edades del viento” hallamos elementos suficientes como para considerarla de una extraordinaria excelencia narrativa. Morales Lomas ha sabido reunir todos los ingredientes para construir una sólida obra, desde la trama, los personajes, los diálogos, el género epistolar, la ambientación, el espacio y el tiempo, la precisión de orfebre en el discurso narrativo, la forma y el fondo, donde una vez más el pensamiento humanístico del poeta Antonio Machado adquiere un valor relevante que el autor hace  también suyo. Es una novela coral, que inicia su andadura en Colliure pasando por París, Madrid, Valencia, Barcelona, entre otras ciudades y que cuyo hilo argumental es quizá el hallazgo más interesante por imaginativo y arriesgado, pero que viene a demostrar, por eso mismo, la capacidad creadora de Morales Lomas, nos referimos al hecho de insertar en la escenografía a un tercer amor Rose (después de Leonor y Pilar de Valderrama), una actriz francesa que viene a representar a Madrid una obra de Anatole France. Dos investigadores de la figura de Antonio Machado, Virgilio Aguilar, español y Vicent Bergére, francés, la amante, la hija y la nieta de Machado, Rose y Luci Savarroi y Rose Strindberg respectivamente, además de otros personajes secundarios conforman una historia que, ahonda en una época dramática, plena de oscuridad donde la intolerancia y el terror del fascismo, asola no solo España sino Europa. Morales Lomas en su afán por encontrar la perfección, que no es sino la belleza, ha escrito una magnífica novela, de un intenso ritmo narrativo, situando al lector como un actor más que no puede inhibirse de cuanto acontece, para entrar en el imaginario del autor y hacerlo suyo. El conocimiento de Morales Lomas de la Literatura española añade un valor a la historia, la complementa con sus investigaciones, acrecentando así el interés por la lectura de esta obra centrada en el más grande de los poetas españoles, don Antonio Machado, el poeta que hay que soñar como se dice en la novela. Tiempo es de reconocer en Morales Lomas al creador que es, al hombre de un nuevo Renacimiento literario andaluz, y por ende, español, y al

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¡AJEDREZ!  JOROS. Ediciones ALGORFA. Málaga 2020.

Por Paloma Fernández Gomá



El soneto, estrofa de honda raigambre en la literatura española y de origen italiano. Ha encontrado en escritores  como Garcilaso de la Vega, Góngora, Quevedo hasta llegar a García Lorca, excelentes autores que de él hicieron uso.
Estrofa diamantina, directa, que en catorce versos acoge todo un universo de sensaciones, de miradas, de buen hacer, diciendo entre cuartetos y tercetos la verdad que el hombre lleva solapara en su interior.
Nuestro poeta,  se suma a esta lista de escritores que buscaron en el soneto la fuente de su expresión. A él dedico esta reseña.  Hablamos de Juan Orozco “JOROS”: poeta tradicional discursivo, pintor, mail-artista y poeta visual. Nacido en Montellano (Sevilla) en 1964.
Juan Orozco presenta su última obra  ¡AJEDREZ!. Publicada por Ediciones Algorfa. Málaga 2020.
AJEDREZ es un poemario compuesto por treinta y seis sonetos, con prólogo de la poeta Rocío Biedma.
Los sonetos de Juan Orozco son una jugada de estrategia literaria en un tablero de ajedrez, donde las piezas son avanzadillas en una batalla planificada y estudiada por el poeta con todo el rigor de un buen estratega, amante de la poesía y de sus signos. Hoy estos signos son peones, alfiles, torres, caballos reyes y reinas,  todos sobre un tablero, donde  libran su peculiar batalla.
La batalla de la vida se desarrolla ante nuestros ojos, de la mano del poeta, con la precisión de quien sabe, muy bien,  conducirnos hasta donde quiere,  y mostrarnos los caminos a donde pueden llevarnos nuestros actos.
Y vemos un campo devastado  por la lucha fratricida. Asaltos.  Ira y violencia. Muerte. Los peones avanzan hasta la hoguera de los sinsabores donde se halla la daga de todos los errores.
El rey blanco nos da la ley y su reina se desgasta entre los combates. Mientras tanto,  alfiles, caballos,  torres y peones negros caminan por la  contienda.
Y todos reyes y reinas blancos y negros se precipitan hacia la muerte. Da igual su color,  todos y cada uno serán corazones para las urnas. Sin que haya milagro que pueda devolverles la vida.  Porque en esta guerra,  aunque se ganen las batallas, se pierde todo al final: se pierde la guerra y nadie gana. No hay hadas ni príncipes ni pócimas imposibles que arreglen el  daño causado.
 Nuestro  poeta lo  sabe y por eso evoca al  bien y al mal. El Apocalipsis y una guerra mundial flotan en los versos, junto a una Divinidad Superior que parece querer acercarnos al dilema final.
Una  constante abstracción de sumas imposibles, de  equilibrio entre la realidad y lo  espiritual es el contenido de AJEDREZ.
Ese juego milenario,  el ajedrez, es el eje del  libro.
 Conocido desde Al-Andalus . Alfonso X el Sabio,  ese rey intelectual y protector de la cultura, escribió  un libro sobre el ajedrez.
Hoy el  ajedrez es fuente de sonetos, de números cabalísticos,  de batallas libradas y guerra no  culminada; así nos lo presenta el poeta tradicional  y visual Juan Orozco, con esta obra de gran hondura, que linda entre realidad y ficción para ir encadenando estos treinta y seis sonetos,  uno por cada una de las piezas del  juego.
Quisiera dejar constancia de este arte de aproximación entre la realidad y la fantasía,  al que nos conduce Juan Orozco “Joros”;   con algunos de  sus versos como fiel de balanza o equilibrio perfecto al  que nos conduce el autor.
Encaminada en la redonda esquina/del puro erguido monte que se alzara/en la cima por la que se encamina/la vida que subiera, que cantara,/a los cuatro puntos del orbe.  Mina/y blasón de los hombres, almazara/de la luz, claro bastión que se empina/al alto pináculo cual  un ara./
Vientre que nos protegiese y os ama/en su candente abrazo poderoso,/y que mayestático nos aclama./
Guardia del buen gavilán y el oso,/este emblemático fuerte que exclama:/”gloria  a dios en el cielo clamoroso”. Pag. 38
Y la contienda se precipita: Quién gana la contienda?
Leemos:
De la vida a la  muerte hubiese un paso,/un doloroso tránsito en la nada,/que pereciere en esta hora en el paso/de esta luz a aquella sombra anudada:/vivamos pues, amigo, ante el zarpazo/de esta cornisa alada, desolada.


Joros nos deja las señales, las palabras de sus versos como testigos permanentes de una realidad que va mas allá de lo que vemos a simple vista. Se trata de una realidad interpretativa que va explorando lo que hay en nuestro interior.

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Título: Acerca de los días      
Autor: Fernando de Villena
Editorial: Carena (2020)

Por José Antonio Santano



Acerca de los días
            De nada serviría la materia si no se acompañara de alma. Las cosas, los objetos,los seres vivos nada son sin alma. Y aunque dudemos de su existencia, en todo vive, si de vivir se trata y no de muerte, el alma, esa imprescindible espiritualidad que nos hace más humanos. En esa búsqueda de la espiritualidad, del alma si se prefiere, es fundamental mirarse hacia adentro, viajar a las entrañas del propio ser y allá en su silencio, calmos y dispuestos a conocerse dejar de respirar por un segundo, así casi al encuentro con la muerte, para vivir ese segundo solo de luz y paz. Pudiera parecer locura cuanto digo, pero en verdad que es la mejor de las dichas, el momento del resplandor más sincero y saberse de uno mismo, adentro en el propio laberinto de la vida, reconociéndose en la celebración del espíritu, de lo innombrable e indecible, al fin y al cabo de una mística deslumbradora, en la que el ‘ser’ y ‘estar’ se hallan levitando en el espacio y confraternizados. La poesía, entonces, es un volcán en erupción continua, una inmensa lámina de mar convertida en tsunami incontrolable. Este sentido de insuperable grandeza en lo material y espiritual podría definir la poesía de uno de los poetas españoles más prolíficos, un clásico, con una voz tan portentosa como singular, y lo hace en esta ocasión con seis libros en uno, dos publicados con anterioridad y 4 nuevos. El poeta en cuestión no es otro que Fernando de Villena (Granada, 1956) y el libro “Acerca de los días”. Contiene un trayecto poético que va del año 2014 al 2020. Seis libros en total: “Morir por mi demanda” y “Estampas de Vejecia” (ya editados) y los inéditos “Noticias que me duelen”, el más prosaico pero también esencialmente humano y solidario, del que destacamos versos como: «Y helos aquí a los refugiados / con su costal de sueños, / sin comprender que toda su tragedia / nació en cualquier despacho / donde los grandes de este mundo / (no más de veinticuatro) / deciden repartir acá o allá / dolor, miseria y muerte». Con “La luna en la enramada”, el segundo de los inéditos, el poeta trata de la memoria y muestra de nuevo su dominio del verso clásico, fundamentalmente del soneto, y así escribe: «Incierto es el paisaje que me cerca; / amarga, la lección de tantos años; / tristísima, la luz que ya me alcanza, // mas no siento el temor a parca terca / ni me dejo vencer por desengaños / ni he perdido la fe ni la esperanza». El tercer inédito, “Libro de las peregrinaciones” viene a descubrirnos otros paisajes en los que el poeta en su ir y venir a lugares y vidas nos muestra, una vez más, su extraordinario magisterio, como en este canto a Costa Rica y sus Canales de Tortuguero: «No es este el Gran Canal de Venecia, / sino el Gran Canal de Dios, / y avanzas bajo las infinitas verdes bóvedas / de la más hermosa de las catedrales / como por una miniatura de un libro de horas. // Y si tal te parece el río de la Suerte, / ¿cómo ha de ser el mar en el que desemboque?    “Búcaro de cenizas” es el cuarto libro inédito que Fernando de Villena ha querido incluir en este “Acerca de los días”, que al cuidado editorial de Carena viene a confirmar la esencialidad poética de Fernando de Villena y la apuesta constante de este pequeño e independiente sello en pro de la poesía española contemporánea. En esta última propuesta el poeta hace balance de la vida, su vida, simbolizando todo ese trayecto vital en versos como estos del poema que da título al libro: «En suma, que he vivido, mas ya no miro atrás / y si al futuro pido la suerte de los míos, / por lo que a mí respecta puedo afirmar con bríos / que una vida es bastante; de aquí no quiero más». Esta es parte de la grandiosa obra de un poeta esencial como lo es Fernando de Villena.


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 Los signos ocultos del paisaje de Rafael  del  Campo Vázquez. Editorial
Ánfora Nova. Rute (Córdoba)  2019

Por Paloma Fernández Gomá



Rafael del Campo Vázquez nació en Córdoba, es Licenciado en Derecho, Profesor de Derecho Tributario en la Universidad de Córdoba y poeta.
Tiene publicados diversos trabajos de naturaleza jurídica. Ha sido premiado en diferentes ocasiones por sus relatos. De hecho tiene publicados varios libros de relatos  y dos  novelas.
En su obra siempre se encuentra una convicción ética a favor de la  vida, el respeto por la naturaleza, la familia y la amistad.
En este libro de poesía Los signos ocultos, el autor afianza su lirismo, expresado ya en su primer poemario Las edades del día.
En el poemario que nos ocupa Rafael del Campo Vázquez ahonda en su creencia de interpretar los signos del paisaje, pues en él se esconde el  misterio de poder liberarlos a través de la palabra. La palabra se transforma en verso y saca a la luz una lectura íntima y sensitiva que se transcribe en los poemas de nuestro autor.
El libro está dividido en  fases o apartados que nos van desvelando un recorrido visual - poético por el paisaje que contempla e interpreta el poeta desde su aventura personal y lírica. El poeta busca y haya un mensaje implícito en lo que le rodea, tanto de forma material como inmaterial. Así pues hay signos en el árbol,  la montaña, las adelfas, el horizonte y las estaciones del año.
Estas fases interpretativas son:
Prefacio, donde desglosamos: versos, Primeras  palabras, Las claves del misterio, Paisajes y Signos.
Signos de Primavera: Signos de primavera, Niño, Sonrisa, Hermoso.
Signos de Verano: Signos de verano, Hombre, Perro, Vigilia.
Signos de invierno: Signos de invierno, La vieja, Las palabras del invierno,  Infinito.
Últimos versos: Frente al mar,  La  espera,   Sin equipaje.
Epílogo: Últimas voluntades.
 La primavera es el estallido de la luz, el nacimiento o renacimiento de la naturaleza. Así lo siente el  poeta en sus poemas.
“…Y un niño abre los ojos y el  mundo se hace niño/ y su sonrisa aplaca al corazón y al tiempo.” Pag. 24
En el verano llega  la madurez, el color dorado de la mies o de los ocasos que relajan la retina. El poeta se detiene, observa al hombre, a su perro y las vigilias.
Leemos: “…Acodado en la nada que la noche me ofrece/ el verano es oscura metáfora que huye” pag. 32
En el otoño se perciben los primeros signos de cansancio y se añora el regreso, el  tiempo transcurrido;  mientras la herida de todo lo pasado se va agrandando.
“…El viento,  mientras muere,  nos estrecha la mano y sus labios exhalan un suspiro infinito…” pag.  38
Con el  invierno  se cierra el ciclo: “...Tal vez  cuando trasponga las lindes del  destino/ encontraré esas rosas ardiendo entre las nubes.” Pag. 43
Rafael del Campo clausura el libro con poemas como Frente al mar, La espera y Sin equipaje.
Con últimas voluntades firma su despedida.
El poeta se despide con  estas palabras “ razón de las cosas,  hundida bajo el agua”. Porque Rafael del Campo sabe y espera que la poesía vuelva con nuevos versos, con otros signos por descifrar. Trayéndonos siempre una esperanza, sabiendo que el  poeta cree en el hombre y desconfía de quien intenta desvirtuar su verdad. Para ello están los signos ocultos en el paisaje para traernos lo auténtico.
 No duda el poeta en mostrarnos con versos sensitivos aliados con la metáfora, un paisaje distinto,  donde el hombre recupera  valores y la ética solemne que en la naturaleza habita,  nos llega a abrir sus froenteras.    

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Días de asfalto de Francisco Beltrán Sánchez. Ediciones Esdrújula. Granada 2020


Por Paloma Fernández Gomá



Días de asfalto es el último libro del  poeta granadino Francisco Beltrán Sánchez que coordina de forma exitosa el blog “Poemas sin fronteras”:  https://poetarotundo.blogspot.com/p/blog-page.html
Una iniciativa poética que une a poetas bajo el signo de la universalidad.
Es pues nuestro autor un hombre activo de conciencia abierta que decide hacer de la poesía una referencia de unión, y desde esta concepción de acercamiento y aproximación, emerge su libro Días de  asfalto, como un encuentro entre lo natural y lo urbano. Leemos  pues en la página 43 del libro: Pasear en la noche/te lleva al  viaje de otros camino,/un tránsito que hunde sus raíces/ en el rancio abolengo, que invade/las muecas de los dinteles y cúpulas…”
Y en su “pasear en la noche”, en la noche de Francisco Beltrán está implícito el “Pasear de la vida”,  la  vida del poeta que emerge entre las páginas de los versos y establece  similitud y paralelismo  entre las calles y los crepúsculos, los zaguanes y las estrellas, el barrio y el murmullo de la lluvia;  porque Francisco Beltrán concibe el amanecer como parto, que nos abre el  camino de la luz.
Su poesía es un círculo de sensaciones que van y vienen entre las colas del INEM y el oráculo de la Sibila: “  No siempre el  oráculo/ha de ser el  desastre que se anuncia,/hay vacíos que puedes escribirlos/ sin ayuda de la Sibila.”
Leemos: “eres humano y vives el ahora posmoderno/en esta infame cultura del miedo”.  El poeta adelanta el agravio que siente  la naturaleza con la conducta de los  hombres. Su poesía extiende las alas del  entendiendo entre  elementos naturales y urbanos. Y se hace eco de las injusticias del mundo, buscando el  amparo de la casa y la madre. Raíces que habría que  entender para quitarle materialismo a nuestra sociedad.
Los  poemas en el libro de Beltrán  se van comunicando entre ellos, buscando la panacea de la convivencia, del humanismo que sustenta nuestras vidas y tantas veces desaparece de nuestro entrono. El poeta reclama a la “madre  ausente” pag. 14, a la “inocencia en la niñez” pag. 15. Y piensa en “la niebla” pag.16,  que oculta y hace invisible el sentir.  Observa “Jeroglíficos de aceras en las rostros”  pag. 17 donde el hombre se inhibe de responsabilidades.
En “..la ferocidad del hormigón,/del cristal y del asfalto” echa de menso “el  silencio de las sábanas” pag. 18
El metro, el  autobús y los auriculares nos hablan de la prisa y de la introversión que muchas veces padecemos. Y si las marquesinas y los semáforos apuestan  por introducirnos en el anonimato;  será el poeta Francisco Beltrán quien abra las puertas de la oscuridad y nos presente un mundo mejor  que existe  de forma  paralela junto al del  asfalto. 
Beltrán escribe  su poesía desde la proximidad hacia el otro, ya sea el lector o un sujeto paciente que hilvana los versos en justa reciprocidad, al verse reflejado en ellos
Un  libro de proximidad, de poesía intensa y avisadora que mide una realidad llena de obstáculos y  referencias hostiles hacia el medio ambiente.
La poesía de la sostenibilidad es la que enarbola el  poeta Francisco Beltrán, poeta, narrador, y humanista comprometido con la sociedad. Hemos de señalar que mantiene un serio compromiso con “VegaEduca, Salvemos la vega y Templeoliva” en defensa de la naturaleza.
Ha codirigido el evento cultural El Embrujo del Agua, que se celebra en la casa de Federico García Lorca en Valderrubio; también ha coordinado junto a Pedro Enríquez el ciclo cultural Tiempo de Encuentro, que se lleva a cabo en la Casa Museo de Federico García Lorca en Fuente Vaqueros.
Una vez más se pone de  manifiesto el alma participativa y comprometida  con la cultura y la poesía, que posee nuestro autor.                          


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La aventura de mis siete vidas de Albert Torés
Versión bilingüe español-inglés.  Traducción de al inglés de Mo Malone

Amazon 2019

Por Paloma Fernández Gomá


El poeta y crítico literario Albert Torés nos presenta este libro con marcado acento personal y social. Un poemario  abierto a la libertad de interpretación expresiva de quien se quiera acerar a la poesía de Albert Torés, un poeta en esencia, íntegro  de  pies a cabeza que  marca  los tiempos y sus veros con la pauta de su libertad impoluta y absoluta. Un poeta humanista y solidario,  porque le importa el hombre en el sentido más amplio de la palabra y sus causas participativas en la sociedad.
El término  humanismo solidario se lo escuché  a él, a Alberto Torés,  por primera vez en una reseña crítica que hacía de otro gran poeta, Francisco Morales Lomas. Esta denominación, reconozco que me causó un insólito  interés.  La  encontré tremendamente comprometida con el pensamiento o lectura más humana que podamos hacer sobre  ser humano. Vi muchos términos acuñados en dos palabras: Humanismo y solidaridad.  
Así pues y desde esta perspectiva identifica su obra y escribe  sus veros Alberto Torés. Él, el  poeta se sumerge en las vidas,  sus vidas, siete como número cabalístico que indica continuidad o eternidad. Eternidad,  concepto religioso –filosófico, que en nuestro poeta toma la segunda acepción: término filosófico de compromiso del hombre consigo mismo  y con los demás. Porque como dijo Ernest Hemingway:  cuando doblan las campanas también doblan por mí. Porque el hombre es una sola unidad en el universo,  somos partes de una unidad  integradora que nos da la dimensión de seres humanos.
Y vayamos pues al libro de Albert Torés a sus versos cíclicos, reflexivos y universales que tocan ciudades, nombres, partidos políticos o inclinaciones políticas alineadas con el pensamiento del autor; en definitiva diversidad, como el hombre en sí mismo. Naciones, películas, marcas de medias o a Mary Quant, creadora de la minifalda, rompiendo moldes en los años 60.
Así es nuestro poeta rompedor,  poeta enorme  que asume sus ideas y las proclama en sus versos; amasando sociedad, hombre y conciencia en una recorrido de poemas llenos de vitalidad y comunicación casi periodística. La heterodoxia de Albert Torés constituye uno de los aportes más significativos de su poesía.
Grandes personajes graban los  versos de Torés: Che Guevara, Neruda, Edith Piaf, Luis Cernuda, Carme Amaya, Alfred Hitchcock, Flix Grande…
Y nuestro poeta también tiene interlocutores en su poesía, como lo es Teresa; a quien acude y pregunta para deshojar la margarita de sus interrogantes, los que se sostienen  en sus poemas como cuestiones eminentes que buscan respuesta.
Aquí recogemos algunos de los veos de Albert Torés que forman parte de la aventura de mis siete vidas:
No lo vi, porque había murallas de miedo/ que recorrían cada instante de los mares,/cada entendimiento de las calles,/cada lento y febril paso de ceniza./
No hace falta que les recuerde que la miel/puede ser ávida maldad cuando llega  el alba./
Quizá la  ternura bese inútil, luego la pido/más adornada que nunca, en tarjetas postales,/navideños envíos, sitios casi oscuros de trozos de historia./

Ya se lo dije: 20 coches son robados a diario en Barcelona./ Al tiempo, en Londres, entierran al hombre.

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Título: La destrucción del cielo        
Autor: Manuel Jurado López

Editorial: Diputación del Huelva (2019)
                                   
Por José Antonio Santano


La destrucción del cielo
            En este tiempo de oscuridades e incertidumbres, de un miedo que ha sido inoculado lenta pero seguro y que amenaza con quedarse, la humanidad entera se siente desorientada. Cuando la sociedad invierte más en el objeto que en el sujeto es normal que aflore un estado de ánimo desgarradoramente amargo y que el horizonte posible no se atisbe por mucho que miremos. El ser humano necesita señales, pero aún así, es tan incomprensiblemente reincidente en la obcecación que no se percata de la necesidad inminente de cambiar desechando lo inservible y adoptando en su forma de vida lo verdaderamente importante. A veces un libro nos puede trasladar a situaciones futuras, jamás imaginadas. La pandemia a causa de la COVID-19 y las situaciones vividas a causa de la misma eran impensables, inimaginables hace tan solo unos meses. Sin embargo, ha sucedido, y hemos adoptado hábitos desechados con anterioridad pero que nos han servido para sobrevivir en tan atroz situación. Las artes todas han sido el oasis en el que hemos podido calmar nuestra sed y soledad. Entre esas artes se halla la poesía, que ha sido un imprescindible salvavidas para muchos compatriotas. Si además ese libro de poesía elegido es premonitorio o es capaz de trascender la realidad y provocar ese temblor que nos hace más sentirnos más vivos que nunca, más humanos, el objetivo está cumplido. El poeta andaluz Manuel Jurado López (Sevilla, 1942) es un ejemplo de esa poesía diferente y singular, capaz de descubrirnos nuevos universos, tal vez más tristes y dolorosos de lo deseado, pero necesarios para entender el mundo en que vivimos, y al que posiblemente, de no remediarlo, estamos destinados. “La destrucción del cielo” es ese libro que no deja indiferente al lector, que ahonda en la condición humana a través de una voz personal e inconfundible. En este sentido “La destrucción del cielo” ha sido doblemente galardonado, primero con el Premio Hispanoamericano de Poesía Juan Ramón Jiménez, 2019, y unos meses más tarde con el Premio Andalucía de la Crítica en su vigesimosexta edición. Sin duda que ambos premios catapultan esta obra de Jurado López, pero sobre todo la principal motivación reside en la propia obra, su estructura, recursos literarios y su concepción de una poesía diferente, capaz de emocionar y crear mundos propios. En ese territorio de la oscuridad, de lo negro, del luto continuo por causa de la estulticia del hombre cabe situar este poemario. En esa estética del negror abunda la luz de sus versos que anidan y se hacen materia viva en el paso del tiempo, en la fugacidad que siempre es la vida: «El negro es la base, no el blanco, no la camisa / tendida y que ha vuelto a mojar la lluvia en la madrugada. / El negro es la esencia de la vida, el sótano, el claustro, / la placenta, o el luto, el lunar, la ceguera, la poderosa rabia / de los ojos de los perros. / Los besos también se han vuelto negros bajo los árboles». El abecedario, sus 28 letras (incluida la ch) constituyen los 56 poemas que nos ofrece el poeta, con ellos recorre un tiempo y un “cielo” inalcanzable por la incapacidad del hombre para conservarlo, de ahí que ese amargor doloroso de la pérdida, de su destrucción total. Sabe bien el poeta cuál es su casa, y por ello, la cita inicial de Karl Kraus viene a confirmarlo: “Soy solo uno de los epígonos que vive en la vieja casa del lenguaje”. Y es la lengua, la de todos, diversa y diferenciadas a la vez la que nos abriga al calor de la vida. La memoria de lo acontecido, del pasado entre guerras y sangre, acaso sea como un resplandor de todos los silencios, y entre ellos, el poeta en su voz: “Siempre queda la amarga caligrafía de unos versos”.  
                                              



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Título: Intermezzo lírico          
Autor: Heinrich Heine (Traducción Jesús Munarriz)
Editorial: Hiperión (2019)  

José Antonio Santano


Intermezzo Lírico


Es conveniente y sano que de vez en cuando miremos hacia atrás y ahondemos en la cosas que nos han sucedido y conocer de las razones y de emoción que el recuerdo nos lega, que la memoria incisiva nos muestra de nuestra historia personal. Lo mismo podría decir si nos detuviéramos en la historia de la literatura, de la poesía en concreto. En cómo fue y ha evolucionado a través del tiempo. Las corrientes o tendencias poéticas que han sido baluarte y todavía hoy mantienen ese pálpito, ese latido necesario que nos hace aprender, porque la tradición no está reñida con la evolución, ya lo creo que no. Quien eso piense creo que yerra, y lo digo sin acritud alguna. Es el caso de ese ciclón literario que vino en llamarse Romanticismo, y que si nos acercamos a él, a cualesquiera de los autores que lo secundaron hallaremos tesoros de incalculable valor literario. Celebramos  en este particular “Salón de Lectura” el regreso de uno de esos clásicos ya libros pertenecientes al movimiento romántico, y más concretamente, al alemán, con la figura de Heinrich Heine y su obra universal “Intermezzo lírico”, en versión de Jesús Munárriz (Hiperión) y edición bilingüe. Nos dice Munárriz en “nota del traductor” que “Intermezzo lírico” viene a ser “la culminación del romanticismo alemán y el final de esa corriente”, que se trata de una obra de juventud pero al mismo tiempo que es su mejor obra. Por otra parte, añade Munárriz que esta versión “pretende mantener el difícil equilibrio entre fondo y forma, decir lo mismo que se dice en alemán, ni más ni menos, pero con un ritmo y una música que recuerden en cuanto puedan los del original” y, ciertamente, se agradece esta consideración del traductor. Por ser una obra de juventud Heine cumple en su construcción con todos los requisitos que el propio movimiento romántico aduce y todos conocen: subjetividad, libertad de pensamiento, significación de las emociones, fantasía e imaginario, etc. El amor se presencia de forma rotunda en este libro, de tal manera que los estados melancólicos se muestran en todo su esplendor. La voz poética de Heine es pura música, que acompañada por los dones de la naturaleza producen en el lector una sensación de serena plenitud: «Quiero sumergir mi alma / en el cáliz de algún lirio; / exhalará el lirio tímido / una canción a mi amada. // Canción que estremezca y tiemble / como el beso que su boca / me dio una vez en la hora / más dulce y maravillosa». Llama la atención que ya desde el prólogo observamos cómo la influencia del romanticismo alemán, y concretamente Heine, tuvo en la poesía española, fundamentalmente en Gustavo Adolfo Bécquer, como se comprueba en el verso 8 de dicho prólogo de “Intermezzo”: “De la casa en el más oscuro ángulo”, y este archiconocido de Bécquer: “Del salón en el ángulo oscuro”. Es evidente que “Intermezzo lírico” y en general el romanticismo alemán, tuvo una gran influencia en el resto de Europa, por ese despertar de las emociones y nueva forma de expresarlas que supuso dicho movimiento. Heine y su “Intermezzo lírico” se configura como un texto singular y necesario para comprender la poesía romántica de la época, que aún en la actualidad asumen, con alguna diferencia, muchos poetas. Bienvenido sea esta rigurosa traducción de Jesús Munárriz, que sirve de recordatorio de la esplendorosa lírica de un romántico como lo fuera Heine. Sin lugar a dudas, y como así se condira por su traductor “Itermezzo lírico” es “la quintaesencia de la poesía de Hein y la mejor introducción a su lírica.   




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Título: Entre trenes         
Autor: Mar Sancho
Editorial: Eolas (2019) 

Por José Antonio Santano


Entre Trenes
            La poesía siempre es un viaje al misterio, a lo desconocido, a lugares soñados o vividos, y no importa el medio de transporte que se elija. Al fin siempre se encuentra un objeto, un lugar, una casa o una razón que nos hace más vulnerables, también más sabios. Ahondar en verdadero objeto de un viaje, antes y después de realizarlo, produce una sensación de plenitud indescriptible. El viaje, la verdadera función del viaje es el conocimiento de la realidad que se otea al horizonte, pero también nos descubre la capacidad del hombre para sentir en su interior todo aquello que los ojos no ven. Cuando el poeta viaje material o imaginariamente, en cualquiera de los casos, un temblor desconocido lo apresa e inmoviliza. Destella en su interior una fuerza desconocida capaz de sobrevolar el firmamento y habitarlo plenamente. Esa fuerza se vislumbra en el poemario “Entre trenes”, de Mar Sancho (Valladolid, 1972). Publicaciones anteriores de Sancho son, entre otras, “Inventario de invierno”, “Variaciones sobre un viaje viejo”, “Oblivion” o “Lisbond Visited”. Prevalece en la poeta el viaje como elemento aglutinador de su poesía, la fuerza del recuerdo o la memoria para crear una nueva realidad a partir de lo vivido en esos continuos viajes, en esta ocasión, bajo la nostalgia que todo viaje en tren provoca. Viajar en tren siempre ha sido algo melancólico, como perteneciente a otro espacio y tiempo. Es esa o tal vez pudiera ser esa la razón de Mar Sancho con este poemario “Entre trenes”, que nos llevará con toda seguridad a lugares desconocidos, pero también a descubrirnos el alma misma de la poeta. Sancho nos convoca a seguir algunos de sus itinerarios vitales, a compartir con ella, todos los misterios, también las sombras, los silencios y sus luces. Estructura en cinco partes, Sancho nos propone visitar el corredor del Amtrak Cascades, en los estados de Whashington y Oregón, la ruta del Transiberiano, el Himalaya, la región andina del Salta-Socompa o el estado de Alaska. Es en la figura del abuelo (“el primer tren partió de la boca metálica de mi abuelo”) donde despierta ese paisaje de tren antiguo entre la niebla vaporosa de  la locomotora, y a partir de ese momento la vida inicia un nuevo ciclo, cuando la soledad acucia en los andenes a la espera de tomar otro tren hacia no se sabe dónde. América del Norte, Europa, Asia o América del Sur, qué importa el lugar mientras el sueño exista. Las vías de un tren como las venas que alimentan la vida, así Mar Sancho detiene su mirada en las ciudades y en los viajeros que la acompañan hacia un lugar del universo, ese que construye en cada uno de sus poemas, dotándolos de luz y de belleza. Nada ni nadie podrá resistirse a la fuerza de la imaginación. Y ahí están los arrebatos del sueño, la encendida lágrima de la pérdida: «El revisor se acerca de puntillas ofreciendo té humoso y porfía / que quiso ser bailarín de ballet con los ojos hervidos de / lágrimas». Versos que se alargan como las vías del tren que surge entre la nieve, las montañas o los ríos, orillado al mar de los silencios. En cada rostro Sancho se contempla, como si se tratara de un espejo que repele el trazo de unos ojos o el color de los cabellos. El poema está en cada ser, en cada objeto, en cada uno de los vagones de ese tren que parte una vez y otra y que no puede dejar que se le escape. Con este poemario Mar Sancho ha sabido ahondar en el alma humana y trascenderla desde la fulgente luz de la palabra, esa que alcanza el corazón: «Esta mañana de cobre es moribundamente mía, / cabe cóncava en mis manos de vasija resquebrajada, / huele a silencio de gallos y a empanadas de humita, / viaja en el mismo vagón que mi desterrado cuerpo».


                                               
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Título: Lumbre y ceniza         
Autor: Yolanda Izard Anaya
Editorial: Devenir (2019) 

Por José Antonio Santano
Lumbre y ceniza



Lumbre y Ceniza
            Cuántas veces el hombre camina a la deriva, sin saber que en un instante todo puede cambiar, que una palabra cualquiera, un gesto, una mirada pueden eclosionar de tal manera que la vida, esa que nos mostraba su cara más ruinosa y dramática, nos refugia en su seno y nos procura un nuevo sentido, una nueva forma de contemplar lo que sucede delante de nuestras propias narices y antes se ocultaba con rigurosa severidad. La rutina nos desborda con tanta crueldad a veces que somos incapaces enfrentarnos a ella, de sacudirnos de un golpe su pesada carga, dejándonos llevar por la azarosa fortuna. Pasa que en contadas ocasiones se tiene la certeza de haber hallado el camino hacia alguna parte, por estar antes perdido y en ninguna. Pocas veces sucede, pero cuando se produce el hecho que nos alumbra y nos convierte en seres distintos, merece la pena recordarlo. En la vida, como en la poesía, la búsqueda por hallar esa luz redentora que nos sublima elevándonos a no se sabe qué planeta, es imperecedera. Cada poeta es uno y diferente, la experiencia siempre marca el camino, pero la voz siempre ha de ser propia, sin ambages de ningún tipo, una y singular, capaz de emocionar y contagiar al lector, de evocar y trascender la evocación misma, de hacernos temblar con el silencio de la palabra desnuda y libre. Así es como la poesía entra en connivencia con la vida, y viceversa, y una vez al compás de su música toda luz y verbo. Algo de todo esto acontece cuando uno se acerca al último poemario de Yolanda Izard (Béjar, Salamanca, 1959), titulado “Lumbre y ceniza”, galardonado con el Premio Internacional de Poesía “Miguel Hernández-Comunidad Valenciana” 2019, también finalista del Premio de la Crítica de Castilla-León 2020. Yolanda Izard nos propone adentrarnos en su íntimo universo, en la palaba que dibuja desde la experiencia vital y cotidiana otros mundos, donde la honda reflexión va construyendo un edificio singular por su lenguaje y trascendencia de lo elegíaco, de la memoria que rastrea lo vivido y sentido. Nos depara Izard una aventura a la raíz del ser en consonancia estrecha con lo aprendido y la emoción que rige el corazón. Consigue la poeta contagiarnos de su depurada sensibilidad en un tiempo tan ajeno a la belleza del alma, en ella tan segura y fortalecida. La simbología, el uso de la metáfora, dentro de la más honesta tradición poética española, hacen que “Lumbre y ceniza” contenga verdaderas perlas poéticas. Esa fuerza interna que empodera los versos, surge como un ciclón lingüístico, metapoético unas veces: «La poesía debe ser otra cosa. / Debe anidar en parajes destartalados / donde apenas habita la sombra del lirio 7 Y despeñarse entre las arrugas del hombre / cinceladas con la tristeza. / Debe decir palabras que no hayan sido dichas / pues proceden de la imaginación de los ángeles / y de la inspiración del loco, / y alertar sobre el estado del corazón, / de su tendencia a recomponerse y naufragar / en cualquier sitio entre el mundo y las almas», y otras, como una intensa luz que ilumina el camino.  No es casual que nuestra poeta persiga a la palabra y la interiorice hasta ser otra y diferente, silenciosa y sonora a un tiempo, a ese inoculado en las venas y que surge para reconciliarnos con nosotros mismos. Así adopta ese tono elegíaco en su recuerdo del padre: «Puso su mano sobre hombro. / Abajo, más allá de la nieve, / sombras inquietantes envolvían mi casa, / pero alrededor de mi padre / solo había destellos/ del color del ámbar silencioso». Es la voz de Yolanda Izard en toda su esencialidad y autenticidad, destacada y singular: «De la oscuridad vengo yo, una mujer oscura y silenciosa / que siente la respiración del viento / y oye el llanto de los álamos».


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Título: Idaho y el jardín de Ezra Pound         
Autor: Boris Rozas
Editorial: Eolas (2019)

Por José Antonio Santano

Idaho y el jardín de Ezra Pound 


Idaho y el jardín de Ezra PoundLa poesía puede ser tan variada y diferente como pueden serlo los lectores que se acercan a ella, cada uno de ellos, según su formación o experiencia vivencial puede interpretarla o recrearla hasta conseguir un nuevo universo particular. La poesía española actual parece parapetada en cierta homogeneidad avalada por un determinado grupo o corriente de opinión que hace de ella un reino de taifas poco frecuentado por vates ajenos al grupo. Esa política cultural de lo mediático y centralizado, entiendo, ha de ser reconvertida, reconducida si se quiere por el bien de todos. Sé que el panorama poético español está muy viciado y que necesita, así lo pienso, aire fresco y voces nuevas capaz de aunar voluntades y que pueda así aflorar un espacio donde la esencialidad y singularidad poética tenga cabida por encima de otras valoraciones. Descubrir esas voces no es fácil por esa centralización a la que me he referido anteriormente, pero hay que intentarlo. Es preciso moverse, abrir los ojos y la mente a nuevas formas de expresión poética, desde el conocimiento y la emoción de lo aprehendido. Es cierto que la experiencia, por otro lado, común a todos los poetas -sin experiencia no hay vida-, pero lo más urgente es hallar esas voces diferentes que, desde el respeto a la tradición literaria española y a las variadas corrientes o formas estéticas, puedan sumar hasta alcanzar un estado sólido y coherente, que beba de la hondura del pensamiento y de la emoción capaz de trascender la realidad. En esta búsqueda hallamos al poeta argentino residente en Valladolid Boris Rozas, que hasta el momento ha publicado 14 poemarios, entre otros, “Ragtine (2012), “Invertebrados” (2014), “Las mujeres que paseaban perros imaginarios” (2017) y “Anny Hall ya no vive aquí” (2018). El último y objeto de atención “Idaho y el jardín de Ezra Pound”. En su poesía encontramos una clara influencia anglosajona tanto musical (Dixie Chicks, Bowie, Dylan…), como literaria (Robert Frost, Derek Walcott, Pound…), principalmente de la poeta Emily Dickinson. Realmente el poemario en sí mismo no es sino un viaje que recorre la experiencia vital del poeta y que no deja duda alguna sobre aquello que interesa desde el punto de vista de la cultura, pero también de la interiorización de todas y cada una de las circunstancias que alientan su continua capacidad de asombro y curiosidad. Su trayectoria poética nos indica, como ya hemos señalado anteriormente. Los textos de los autores que han marcado de alguna manera su propia diferencia o singularidad entrañan un valor añadido a su voz, de manera que esa intertextualidad produce un continuo diálogo interno que viene a atemperar y equilibrar lo aprehendido a lo largo de los años: «Naciendo el mismo día que murió Robert Frost / no puedo sino oscilar en la vida / del mismo modo que los abedules / responden a tu llamada, / viejos columpiadores / somos / regresando a nuestra / tempestad diaria».  El poeta indaga, bucea en su interior y luego contemplar o compara, desde la honda meditación qué sucede y experimenta con la palabra hasta conseguir una voz personal, un estilo propio y diferencial. Creo que todo lo dicho podría resumirse, como botón de muestra, en estos versos del poeta que vienen a ser como esa luz que vislumbra el poeta Boris Rozas: «De los poetas que he leído / me quedo con el que me parta el espíritu / en dos mitades de silencio, / el que alivie mi tragedia /cogida con alfileres de altura / sin pensar en la suma / de ayeres que se fueron».



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Título: Los límites de la singularidad     
Autor: Antonio Rodríguez Jiménez
Editorial: Carena (2019) 
    
Por José Antonio Santano


      
      

                        Los límites de la singularidad


            En la actualidad se escribe mucho, pero no con la intensidad que las diferentes temáticas o géneros necesitan para encauzar al lector a ese estado de gracia tan preciso e importante desde el punto de vista del pensamiento y la cultura. Asistimos, por desgracia, al florecimiento de una incomprensible amnesia colectiva e intelectual que su principal protagonista, el hombre, no combate con la fuerza del saber y la palabra. Quedó, no sé dónde ni cuándo, ese deseo o voluntad de crear desde la nada, y una gran imaginación, otros mundos, otras formas de vida, otro tiempo y otro espacio. Lamentablemente, pocos son los llamados a esta tarea de creación o recreación, de estudio sistemático, de honda reflexión, porque es más fácil dejarse llevar por la corriente del acomodo y la oportunidad, de la ortodoxia simplona y del narcisismo más atroz. Pero no importa, entre tanta estulticia siempre hay alguien que destaca por su rigor y coherencia, por la honradez y la imparcialidad crítica, concluyente solo si a la verdad y la justicia, en esta ocasión literaria, defiende, desde el derecho que asiste al hombre de expresar libremente sus ideas y hallazgos. En los últimos días he tenido la ocasión de comprobar todo lo dicho en extraordinarios ensayos literarios, libros que me han sorprendido por su rigor y su sentido crítico: “El unicornio en el café Libertad, de Pedro Rodríguez Pacheco, “La huida de la imaginación”, de Vicente Luis Mora y “El infinito en un junco”, de Irene Vallejo. Pues bien, como no hay dos sin tres, tampoco tres sin cuatro, como lo viene a confirmar el libro “Los límites de la singularidad”, al cuidado editorial de Carena y cuyo autor es el periodista, escritor, profesor y poeta español afincado en México Antonio Rodríguez Jiménez (Córdoba, 1956). Una extensa obra poética, narrativa y ensayística avala la trayectoria literaria de Rodríguez Jiménez, amén de haber sido durante 23 años (1986-2009) el coordinador de uno de los suplementos literarios más importantes de España, “Cuadernos del Sur” (Premio Nacional al Fomento de la Lectura 2009), del diario Córdoba. En esta ocasión, el profesor Rodríguez Jiménez, gran conocedor de la poesía contemporánea española, analiza con rigor a pesar del extenso periodo objeto de estudio y con equilibrado sentido crítico esa intrahistoria en un ensayo esencial y necesario si se quiere comprender, desde el más absoluto respeto a las corrientes poéticas y a los poetas integrantes de ellas, el acontecer de la poesía española más significativa del siglo XX hasta nuestros días. Dado que, como hemos dicho, el período objeto de estudio es muy extenso, Rodríguez enfoca o determina dicho análisis en lo que él llama “diferencia” o “singularidad”, estableciendo así los límites, que bien podrían resumirse, en palabras de Verlaine, al escribir: “El poeta debe ser absolutamente uno mismo”, o en aquello otro que decía Heidegger: “La misión del poeta es hallar un nombrar nuevo, visionario”. El profesor Rodríguez se aparta así de quienes se afanan por conseguir representación y prestancia mediática dentro de un sistema intoxicado y moribundo, para construir un espacio nuevo o quizá recuperarlo, restituirlo en lo que vale, diferente y abierto a la pluralidad creativa, donde la calidad y la singularidad sean los pilares fundamentales para conseguir la trascendencia y la armonía creadora suficiente. Así Rodríguez Jiménez estructura su estudio o análisis de la poesía española del siglo XX y lo que va del XXI, en nueve apartados o capítulos, en los expone tanto desde la praxis como desde la teoría aspectos tan fundamentales como la esencialidad y autenticidad de la obra, la trascendencia y armonización del acto creativo, ahonda en la determinación de la singularidad, donde la infancia juega un papel extraordinario (influencias de las poéticas de Boudelaire, Rimbaud, Lautrémont, Mallarmé, Verlaine o Bretón, Bécquer, Hölderlin o Rilke), la generación del 27 (Gerardo Diego, Jorge Guillén, Vicente Aleixandre o Rafael Alberti), para pasar a la poesía social a la esteticista, con parada en la poesía experimental (Juan Eduardo Cirlot, Carlos Edmundo de Ory, José Antonio Muñoz Rojas, José Hierro, Leopoldo de Luis, Pablo García Baena, Ricardo Molina, Concha Lagos, Mario López, Julio Aumente, José de Miguel, Vicente Núñez, Juan Bernier o Manuel Álvarez Ortega, entre otros), en el siguiente capítulo (número VII), el profesor Rodríguez se detendrá en los poetas “desheredados y marginados” de la segunda mitad del siglo XX (Antonio Gamoneda, Claudio Rodríguez, Enrique Badosa, Antonio Gala, Rafael Soto Vergés, Rafael Guillén, Ángel García López, Pedro Rodríguez Pacheco, Rafael Ballesteros o Antonio Hernández). “El esteticismo de los que fueron reyes por unos instantes” es el título del capítulo VIII, y en él dicta una relación muy variada de poetas, no obstante se ocupa sólo de algunos como Rosa Romojaro, Antonio Colinas, Jaime Siles, Ricardo Bellveser, Antonio Carvajal, Carlos Clementson, Pedro J. de la Peña, Domingo F. Faílde o Eduardo Scala. Concluye este ensayo con el capítulo IX, que titula “Los expulsados del paraíso o el Unicornio en el café Libertad”. Son muchos los poetas citados, entre ellos, Miguel Galanes, José Gutiérrez, Luis Martínez de Merlo, Francisco Morales Lomas, Basilio Sánchez, José Antonio Santano, Álvaro Valverde, Francisco Ruiz Noguera, Alejandro López Andrada, María Rosal, Miguel Casado o Miguel Rico. Por ser muchos los poetas, como se ha podido comprobar, y aún faltan los más jóvenes, el profesor Rodríguez, ante tal circunstancia menciona particularmente a Manuel Ruiz Amezcua, Luis Alberto de Cuenca, María Antonia Ortega, Concha García, Antonio Enrique, José Lupiáñez, Fernando de Villena, Manuel Gahete o Juan Malpartida. Una extensa nómina de poetas contiene el presente ensayo del profesor Rodríguez Jiménez, y en insuficientes páginas, pero es evidente que su labor de aproximación a esa poesía singular y diferencial es oportuna y bien recibida, por cuanto todavía siguen silenciados muchos de los poetas aquí nombrados y de una esencialidad indiscutible. Es este, pues, un trabajo necesario y preciso que aporta la otra cara de la moneda, de un estado de la cuestión, la poesía, que venía siendo solo uno y ortodoxo, en el cual no cabían otra poesía diferencia o singular, otros poetas de marcada significación y valía. Este libro, “Los límites de la singularidad” está llamado a ser un referente fundamental para conocer el desarrollo de la poesía española del siglo XX y lo que va del XXI, y por ello, merecedor de ser celebrado, por su honestidad, rigor e imparcialidad. Acabo con las siguientes palabras del autor de este ensayo, el profesor Rodríguez Jiménez, y que viene a resumir de alguna manera lo dicho: «Todo lo anterior que se ha leído en estas páginas es poesía auténtica, original, esencial. Cuando se escribe una composición poética, a ella le importa poso si se la comprende o no, pues la poesía en sí aspira a algo más que ser comprendida, porque ella se convierte en materia espiritual y es ajena a la historia, a la moral, a los convencionalismos. A ella no le importa el diálogo ni la claridad ni lo comprensible. Nace de las cavernas oníricas de los sentimientos, de lo profundo del ser humano y está por encima de los gemidos del amor». 

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Título: Parques Cerrados     
Autor: Campos Reina
Editorial: Debolsillo (2019)
José Antonio Santano


                                                          
                             Parques Cerrados

            Amar profundamente la tierra en la que se nace y regresar a ella no es una ecuación  siempre exacta. Solo se da en aquellos uncidos por alguna divinidad, y cuando esto sucede nos encontramos ante un hecho realmente cuasi milagroso. Asesta a nuestra conciencia la maravilla de lo asombroso, de lo que escapa al raciocinio o así al menos pudiera intuirse. Lo desconocido y misterioso de la vida entonces germina en cualesquiera ciudad, pueblo o persona, en ésta como si se tratara del ADN. Escribir como un poseso, adentrarse en el abismo del lenguaje y que germine luego un texto limpio, preciso, coherente, sabio y emotivo al mismo tiempo no es nada corriente. La mayoría de los escritores solitarios, esos que sólo viven por y para la literatura, no tan escasos como pudiera parecer, pero sí pocos, esos que viven apartados de la farándula editorial y famoseo, son los que verdaderamente acopian una obra, casi siempre de calidad, y, sobre todo, capaz de entusiasmar a los lectores. Lamentablemente en Andalucía, se nos fue hace unos años uno de esos escritores de raza, que, desde su creadora soledad construyó un universo narrativo de un extraordinario valor, iluminado por la tradición novelística del siglo XIX, pero desde una visión transformadora en el tiempo que le tocó vivir. Hablo, naturalmente, del escritor cordobés Juan Campos Reina (Puente Genil, 1946-Málaga, 2009). En su trayectoria literaria caben destacar títulos como Santepar, su primera novela, la Trilogía del Renacimiento: Un desierto de seda, El bastón del diablo y La góndola negra; o el díptico La cabeza de Orfeo formado por las novelas Fuga de Orfeo y Regreso de Orfeo, y Tango rojo, un libro de relatos. Con estas obras Campos Reina puede considerarse como uno de los grandes escritores españoles contemporáneos, gracias a ese don especial para contar historias. Sin embargo, aún después de su lamentable pérdida, Campos Reina nos deja un legado variado con el cual podremos disfrutar de su palabra. Una nueva trilogía póstuma lo confirma, Parques cerrados, donde hallaremos la profunda reflexión y el pensamiento en el ensayo De Camus a Kioto, una visión del acontecer vital del autor en Diario del Renacimiento y por último, la muestra de una sensibilidad extraordinaria para la creación poética en Poesía completa. Este es el legado que nos deja Campos Reina, una obra singular, alejada de modas, consecuente con la experiencia de lo vivido e imaginativa desde el punto y hora que realidad y ficción se cruzan en el mismo camino hasta condensarse o fundirse en un solo cuerpo y definitivo del yo poético. En cada uno de estos géneros hallamos el alma del escritor, en una especie de mística que podría concentrarse en dos mundos opuestos o antagónicos: Oriente y Occidente, fundamentalmente centrado el uno en Japón y su milenaria cultura, y el otro en Europa (El mito de Sísifo, de Camus), y en pasajes muy concretos en la ciudad de Córdoba, la Córdoba del Califato que tanto se asemejaría a la corte de Heian, con ambas y entrelazadas por la mirada del autor nos enriqueceremos a través de su manera de entender el mundo, de sus emblemáticas culturas. De Camus a Kioto es sin duda un viaje al centro de las dos culturas, a la historia de la humanidad. Camus escribe en El mito de Sísifo: «No hay más que un problema filosófico verdaderamente serio: el suicidio. Juzgar si la vida vale o no vale la pena vivirla es responder a la pregunta fundamental de la filosofía». De este aserto parte este extraordinario ensayo donde las ciudades, los jardines, costumbres y ritos, libros y el pensamiento irán contagiando al lector hasta concluir el texto. Dos mundos en paralelo, lejanos y cercanos a la vez, incluso que se cruzan en el camino hacia la verdad interior de cada uno, que bien pudiera ser desde Oriente la contemplación de un monje Zen o ya en Occidente el misticismo. Tomo, como última referencia, en esa búsqueda de Campos Reina por la verdad interior, las palabras del poeta Rilke que el propio autor reproduce en el texto: «Cada hora que vivimos es para otro la hora de la muerte y ésta prima sobre la de los vivos», un regreso, sin duda al planteamiento inicial de Camus. Un ensayo riguroso y rico en su expresión, de indudable valor humanista. Con Diario del Renacimiento pretende Campos Reina desvelarnos de forma natural su experiencia vital, (Desde la infancia hasta el comienzo del Diario del Renacimiento), una etapa que nos mostrará, tal vez, como en un espejo al otro Campos Reina, o no, pero que con su rica prosa nos acercará sin duda al mejor Campos Reina, en su doble versión: literaria y humana. Nos advierte el autor que «Cuando concebí la idea de escribir estas notas no me llevó a ello la importancia de mi vida, ya que en ese caso me hubiera guardado de plantar una coma, sino el sacar a la luz la extraña red de circunstancias que me han conducido hasta donde estoy», de nuevo aflora aquí su honradez y bonhomía, la vida trascendida a lo hondo y puramente literario, en esas dos direcciones a las que me refería antes. Un libro que comienza con notas que abarcan desde marzo del año 1989 hasta febrero de 2001. Conoceremos en este periodo al niño que fue y la tierra que le acogió en sus primeros pasos (Puente Genil), las ciudades que visitó, su actividad novelística, los libros que iría escribiendo y sus procesos, su relación con su editora Carmen Balcells a quien le escribe una emotiva carta desde el Hotel Bonvecchiatti de Venecia, sus lecturas, sus poetas, sus filósofos, sus pensamientos en horas de soledad y todo cuanto en su vida se cruza y vive. Y la verdad es que todo discurre de forma natural, su pluma se desliza sobre el papel y escuchas su leve son, hasta presientes el deslumbramiento de cada letra, su significado íntimo, tal vez propiciado por dos realidades, como él mismo escribe: «En realidad sólo tengo dos cosas: la infancia y el dolor como dos faros que me iluminan». Todo, absolutamente todos los textos están coronados de alguna forma por esta última reflexión que cierra Diario del Renacimiento, sabedor tal vez de su futuro: «¿Qué importa que no haya un mañana para nosotros si disponemos de la inmensidad que nos brinda un día, del tránsito del sol desde que se levanta hasta que se pone?». He aquí al mejor Campos Reina, al escritor y el hombre, unidos en un solo cuerpo y alma, también la que ejerció de poeta y que recoge el último libro de esta trilogía, Poesía completa, y que también persigue Campos Reina, en esa especie de asimilación de culturas orientales y occidentales. Su Poesía completa nos acerca de nuevo a la muerte, al Seppuku, ritual japonés de suicidio por honor, y que irá conformando la estructura del libro. Parques cerrados comenzará el periplo vital y poético de Campos Reina, y en él los recuerdos, la soledad de esos “parques cerrados”: «Los parques han cerrado sus cancelas. / La que durmió abrazada / a mi espalda no está», y el amor, su amor a Fernanda: «Mientras yo perseguía los castaños, / mi sombra demorada / en el cristal azul / tu aliento recibía». Su poesía nos abrirá la carne y los sentidos, hasta llegarnos el aroma del tiempo a la memoria para hacernos sentir vivos aún: «Mi padre olía a canela / como los exploradores del trópico. / Hay mundos en la memoria / perdidos por la razón / que los niños cruzan leves. // Huele a juncos esta noche / al descender mi padre de la vida. / A su paso en la escalera / yo aguardo de los cerrojos / un eco del tiempo ido, / de la canela al quebrarse». Realmente Poesía completa, continúa o resume en apartados como Lirios, Delirios, Morfina, Tránsito, De Saigón a Kandy, Grecia derruida, Intermezzo, África, América, El viajero o Las noches de Li Bao, la desconocida hasta ahora voz poética de Campos Reina, es más, remata y perfecciona, si cabe, los dos libros anteriores. Es la poesía como el culmen, lo definitivo y determinante en el hombre, el destello de la luz viva en lo absoluto de sí mismo. Así el viajero que es el poeta Campos Reina, nos ofrece lo mejor de él en un tiempo que prevé de tránsito y premonitorio a la vez, en esa búsqueda de la belleza total, cuando escribe estos bellísimos y trascendentes versos en prosa: «Desde la altura, domino la luminaria de la ciudad, el río. Y veo por un instante flotar mi vida, apenas una pavesa al viento, reflejada en las páginas de un libro. A la espera de alguien que la reviva en su pecho, en un latido». Una vez, hay que reconocer que la obra póstuma de Campos Reina es de un rigor, una belleza y profundidad extraordinaria, como antes lo fueron sus novelas. Su obra, al fin, está y estará viva siempre en sus lectores, como lo estará su nombre en el Parnaso de las Letras Españolas.
                                   
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Título: Alexis en la ciudad sitiada   
Autor: Pedro Gomila Martorell
Editorial: La Lucerna (2019) 
Por José Antonio Santano  


Alexis en la ciudad sitiada
Muy pocos son los poetas de hoy que se atrevan a escribir un libro en el cual mitología y épica se complementen, al estilo más puramente homérico. Conjugar ambos aspectos en un poemario del siglo XXI se hace casi imposible, porque hoy, la poesía goza de esa mirada escueta y fragmentada que canta un objeto, un paisaje, un concepto o una vida. Sin embargo, y aunque sea necesario lo dicho, se hace grandioso y deseable que existan libros que nos sitúen en nuestra propia esfera y otras distintas, foráneas, que forman parte de una otra cosa o de otro ser. Hay poetas que desde su inicio como tales ya se les nota esa dimensión de lo universal, de lo incluyente, sin menosprecio alguno a lo distinto y diferente por naturaleza, constituyéndose así su poética en premonitoria, incluso podríamos decir que creadora de un nuevo héroe que lucha contra gigantes y monstruos del siglo que vivimos, un siglo apocalíptico (?). Por infrecuente llama la atención que, en este caso por fortuna, existan poetas así. Y creo que hora de desnudar los ojos de las vendas impuestas y liberarnos al fin de ellas. Salir de la oscuridad, llámese usura, humillación, tiranía, corrupción, hipocresía, mentira, etc., y abrir las ventanas de par en par para que nos deslumbre la luz de la libertad y solidaridad necesarias para construir un universo digno del género humano. Si hay en la actualidad un poeta español de este calibre, no puede ser otro que Pedro Juan Gomila Martorell, y un libro que aluda con contundencia y rigor poético, así como con ingenio y sabiduría a los muchos recovecos de la existencia, ese no puede ser otro que “Alexis en la ciudad sitiada”. Alexis es ese ser desmembrado, marginal, que arremete contra todo y todos, pues ya no halla alivio en nada, sólo la poesía podrá salvarlo. Y por ello, desde el principio, las citas que anteceden al corpus del libro son ya esclarecedoras y proféticas (?): «Días de lanzas y espadas, se raja el escudo, / días de tormenta y lobos, / se hunde el mundo, / no habrá hombre ninguno que a otro respete», dirá Völuspá, también las de Pier Paolo Pasolini y Emilio Lledó acompañan en los preliminares. Por su extensión, nada frecuente en nuestro tiempo, el libro cuenta con más de 300 páginas, el autor ha querido dividir el mismo en siete partes si incluimos como tal el poema final. En la primera, “Los cálices amargos”, Alexis se nos presenta ebrio («Ne despierto con resaca aguardentosa / como si durante la pasada noche de lujuria…»), el yo poético es el cuerpo tras la entrega amorosa y recorre el tiempo desde la creación misma. Versos cortos, de arte menor, combinados con otros de metro dodecasílabo, conformarán el libro en su integridad, aunque en algunas partes prevalezca uno sobre el otro. No obstante, el ritmo y la voz del poeta se expande con agilidad asombrosa y dominio, capaz de contagiar al lector desde la primera página. No cabe duda que este libro es un monumento grandioso a la poesía, a la de todos los tiempos, más cercana quizá a esa que nos dejaran, salvando las distancias Ovidio, Hölderlin o incluso Whitman. Hay como un dolor dentro tan intenso que el poeta (Alexis) no puede sino desde el conocimiento de la tradición clásica más selecta y la intuición, crear un universo extraordinario, un colosal tributo a la Poesía, muy ajena, afortunadamente, de la actual ortodoxia. Pero además es que sus versos son, en algún momento, premonitorios: «El virus, mutando, se radicaliza, / cuando sufre la amenaza del sistema» / defensivo: multiplica las extrañas / variaciones del patógeno, escribiendo, / fulminante, partituras de un Oficio/ de Tinieblas…». Habla, implora, medita y con rabia e impotencia escribe de “hervideros de putrefacción”, de África, y Esparta, Grecia y Roma, Europa, pero ¿de qué Europa?: «Es un nuevo amanecer sin luz de origen / donde el alma y la razón se han extinguido», de una «Europa mentida, vencida, vejada, / envuelta en la tela de estrellas sin brillo». La segunda parte, “Desiertos de la paz en llamas” es un solo y extenso poema en dodecasílabos, sin signos de puntuación, donde el verso fluye y fluye sin descanso, galopante, manteniendo el ritmo y la denuncia, el dolor del abisal futuro y del pasado: «mas quién juzga a las naciones que toleran / las maldades de los cuervos sus crueldades / que levantan nuevos hornos crematorios / con la antorcha de los fuegos como lengua…». Sitiada la ciudad, sitiado Alexis en la voz del poeta continúa su periplo con “Los demiurgos salvajes”, ocasión que aprovecha para sostener su deseo de «Alcanzar el centro mismo del silencio, / la pupila donde el ojo duda y cede / ante el brillo de un azar inconmovible», también para proclamar que «Concordia es la razón, no los caprichos / que rompen la armonía y soliviantan / los ánimos con rábidas porfías». El poeta se crece a medida que vive y siente en carne propia el oprobio, y que sitiado Alexis tendrán que levantarse cada día para seguir su trazado camino: «Pero el ídolo de gentes sin mesura, / sin la brizna de ternura en la mirada, / se levanta sobre el hueso quebrantado / de la patria malherida por los cuervos». En la parte cuarta, el poeta bucea en la “Exégesis de las sombras”, indaga en ese mundo que, por otra, bien conoce. El cuerpo de nuevo, pero no masa de carne como escribe el poeta, como depositario de los sentidos y el alma: «…ahí guardamos como el oro los recuerdos / y engendramos las quimeras y espejismos, / ahí florecen los distintos sentimientos / que revelan en procesos misteriosos // todo aquello que nos hace y nos recrea». Con “Zelin o la música silenciada”, la voz de Alexis resurge del abismo, se revela contra la injusticia y la tiranía del ser humano, cuando se refiere al cantante Zelin Bakáyev, desaparecido y víctima de una purga anti-gay en la República de Chechenia. Y esa música silenciada que nos recuerda a la “música callada” de San Juan, en la que el amor triunfa siempre: «Pero mañana no te quebrarás, / destinado a ser libre, / brisa ardiente, / mientras miras a los ojos de tu amante / hasta que no duela nunca, / hasta que no exista el nombre». “La palabra que arde en la noche” es el título de la parte sexta. La palabra como fuego, como luz que alumbra la oscuridad en la que vive Alexis, y su ciudad Metrópolis, grandiosa, en un recorrido por la Historia de las opresiones («Mas quien arde en la opresión durante siglos / se acostumbra al fuego eterno y luce ampollas». En este sentido la palabra es la esencia, la única salida del largo túnel, y ha de ser, pero la palabra que es grito y verdad, si acaso: «Han vetado aquella lucha de las Clases. / La ganaron hace mucho los que tienen / bien sujeta nuestra rueda. Y no son dioses: / los he visto defecar sobre los cuerpos / reducidos a carnaza, a podredumbre, / humillar al que es vejado con deleite / de ramera, sin consciencia de ese trato, // ufanarse de la saña demorándose / en causar laceraciones diminutas, / extinguir pausadamente a cada víctima». Para el poeta este mundo infame no tiene salvación, si no es a través de la justicia y la solidaridad entre seres humanos, y aunque el peso y el tributo que ha pagado y paga es muy alto, no deja que un hilo siquiera de luz y de esperanza sea suficiente para recomponer y recuperar ese jardín donde la libertad, al fin, sea la salvación del hombre. De esta manera, en la séptima y últitma parte nos propone un “himno para otra Europa”, en latín (origen de las lenguas románicas) y en castellano. Este poema que cierra el libro es más que un himno, es un canto universal, un verdadero canto para la unión, en un deseo único de concordia y libertad, que reproduzco entero: «¡Atendedme, gentes de los pueblos europeos! / Danza la amistad ene torno a la tierra habitada, / y, como un heraldo, anuncia / nuestro contento al compartir; y aún los poderosos velarán por los humildes. // Somos más fuertes unidos: / donde hay Concordia, existe paz, / dulce es la contienda sólo para el inexperto. // ¡Vamos, ciudadanos de naciones europeas! / En la diferencia nuestra autoridad se funda. // La paz alegre del orbe, / madre común universal: / por naturaleza todo ser humano es libre. // Mas no habrá una paz verdadera, / falta de hermosa libertad, / ni para nosotros libertad si no hay justicia». Sin duda alguna que, “Alexis en la ciudad sitiada” es una colosal obra y un excelente legado del gran poeta Pedro Juan Gomila Martorell, como ha demostrado hasta ahora con su intachable trayectoria. Una voz tan diferente como profunda, tan apasionada como liberadora, que viene a ocupar un lugar destacado en el panorama actual de la poesía española.    

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 "Zéjeles de alborada" 
Por Alberto Torés 


Título: Zéjeles de alborada
Autor: Paloma Fernández Gomá
Editorial: Imagenta. 2019

Zéjeles de alborada, Paloma Fernández Gomá, Traducción de Chakib Chairi, Editorial ImagenTa, Tarifa, 2019.
La melodía humanista solidaria en la poesía de Paloma Fernández Gomá.
Albert Torés García

Hace ya una década, se presentaba en una primera edición Zéjeles de alborada que conformaban el segundo número de la colección “Zéjeles del Estrecho, editado por  la Fundación Dos Orillas de la Diputación Provincial de Cádiz. Con esta colección la entidad deseaba  recuperar el zéjel, poema hispanoárabe del periodo almorávide que se desarrolló en los siglos XI y XII y que supuso una expresión poética popular. Este proyecto de la Fundación Dos Orillas se enmarcaba dentro de su línea de interculturalidad y se ha optado por el zéjel por pertenecer a una etapa histórica donde predominó el entendimiento entre las diferentes culturas y donde la mezcla de una y otra dio como fruto un enriquecimiento para una y otra parte. Paloma Fernández Gomá ha seguido ahondando en este mensaje de entendimiento entre los pueblos con diversas iniciativas, desde la creación de la revista Tres Orillas hasta esta reedición de los zéjeles, aumentada con una traducción al árabe del escritor, docente e investigador Chakib Chairi así como por un prólogo del profesor y escritor Aziz Amahjour, sin olvidar las magníficas ilustraciones de Antonio López Canales pasando por una antología de obligada consulta, Arribar a la bahía que, precisamente cumple su vigésimo aniversario.
Por tanto, el peso histórico además del poético que este poemario proyecta es indiscutible, amén de cierta valentía y reivindicación del movimiento Humanismo Solidario al tomar como base un metro, poco difundido actualmente pero con unas resonancias tan ilustres como determinantes. Nos lo explica sobradamente el prologuista Aziz Amahjour, pues el zéjel  viene a ser una composición estrófica dividida en tres partes: un preludio, una mudanza y un verso de vuelta que repita la rima del preludio, con el octasílabo como telón de fondo. Su origen está en la literatura hispanoárabe, posteriormente utilizada en la castellana. En palabras de Aziz Amahjour “ el zéjel es una poesía popular que apareció en paralelo con las moaxajas en el Al-Ándalus; es de carácter oral-dialectal y, por tanto, natural y espontánea (…) que los poetas improvisaban en reuniones donde no faltaban instrumentos musicales para acompañar el ritmo y la musicalidad de los versos” : "En canto de algarabía/ que la noche heredaría./ Todo un vergel nacido/ de luces amanecido/ regó el más fértil nido/ con trino de aljamía./ En canto de algarabía/ que la noche heredaría".
En efecto, nuestra poeta no ha escrito nunca desde la ocurrencia o desde lo externo a los marcos literarios, muy al contrario, su obra se inserta en la tradición poética sin por ello desmerecer el componente de diversidad, aunque ciertamente no cae en lo que podría estar de moda. Con estos 17 zéjeles afianza algunos rasgos recurrentes. Sin duda, el carácter fronterizo pero sobre todo la luz, el brillo y el centelleo apuntados por críticos como Aziz Amahjour, Francisco Huelva o José Sarriá. Una disposición casi pictórica cuando se refiere a los colores del mar, los matices del cielo o los distintos momentos de la jornada. La presencia del ruiseñor, simbolismo máximo de la musicalidad  a flor de piel. En este sentido, conviene señalar la reseña de José Sarriá en Luz Cultural (22/09/2019), resaltando dicho aspecto: “El canto del ruiseñor, protagonista de los poemas, va a metaforizar esa sinfonía armónica que se acomoda en el seno de este tipo de composición a la que Fernández Gomá rinde un merecido homenaje con el rescate de tan bellos poemas estróficos. Un canto que se hace melodía, fantasía o algarabía, desde el almendro, a la llanura herida, desde el naranjo a las arenas enamoradas, desde el laurel a las alboradas del Estrecho o desde el rosal a la letanía del viento, para reivindicar el valor de la naturaleza, de lo primigenio, de lo esencial que se refugia en las pequeñas cosas que nos rodean y que la poeta eleva a verdad apodíctica mediante estos vigorosos poemas”.
Ciertamente, esta reedición de Zéjeles de alborada refuerza la consideración tan fehaciente como manifiesta de su participación del Humanismo Solidario en la consideración de la labor del escritor consistente en una búsqueda permanente que se sustenta tanto en el plano del conocimiento de la realidad como el modo de interpretarla. 
En este sentido, la profesora Remedios Sánchez retoma la “fraternidad universal”, reflejado en el Manifiesto de Humanismo Solidario, como eje crucial de las voces poéticas que lo conforman. De esta suerte, Paloma Fernández Gomá intenta a través de los versos buscar la solidaridad en la sociedad actual. Con una llamada intimista de profundo lirismo, cuyas sensaciones poéticas se enlazan a los principios más efectivos de la musicalidad. De ahí, los campos semánticos y léxicos, escogidos con esmero y certeza, que van dejando huellas en cada rumor de oleaje. Melodías, cantares, meceduras  y suspiros por el amanecer; brisa, espuma, bruma, viento o vacío al alba; estremecimiento, melancolía, herida en los albores de la fantasía y los surcos de la algarabía; y de nuevo, la sintonía, el espacio, la bahía, el azul, las hojas de almendro, laurel y mirto, los reflejos naranjos de las rosas, en suma, toda la luz que sus zéjeles absorben para luego devolver con tanta sensualidad como fuerza expresiva una fórmula para seguir creyendo en la esperanza.


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TORÉS GARCÍA, Albert (París, 1959). Profesor Agregado de Francés de Escuelas Oficiales de Idiomas. Director de la Revista Literaria CANENTE. Miembro de la Asociación de Críticos Nacionales. Corresponsal de la revista SIGILA. Ha sido miembro del Consejo Asesor de la Colección de Poesía "Puerta del Mar" de la Diputación Provincial de Málaga y de la revista EL MAQUINISTA dependiente del Centro Cultural Generación del 27.


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Poesía Valenciana

 Por José Antonio Santano  

 El sueño  dde la funambulista de Ricardo Bellveser
Un yo sin mí de Jaime Siles
Leer después de quemar de Rafael Soler
Prenda de abrigo de Francisca Aguirre
La mirada de la esfinge de José María Álvarez

Poesía Valenciana
Resulta muy estimulante comprobar que la maquinaria editorial en nuestro país no solo se mantiene, sino que se refuerza con la aparición de nuevas editoriales dispuestas a favorecer la cultura del libro, que como bien sabemos quieren aniquilar a toda costa algunos desaprensivos. Esta fortaleza que asumen algunas editoriales merece el reconocimiento claro de lectores y críticos. En este sentido es objeto de nuestro interés la editorial OléLibros, y más concretamente su colección “Vuelta de tuerca”, con una nómina de autores muy significativa ya, y la salida al mercado hasta ahora de las antologías poéticas “El sueño de la funambulista”, de Ricardo Bellveser; “Un yo sin mí”, Jaime Siles; “Leer después de quemar”, de Rafael Soler; “Prenda de abrigo”, de Francisca Aguirre y “La mirada de la esfinge”, de José María Álvarez, todos ellos nacidos en la comunidad valenciana, a excepción del último citado, que nace en Cartagena (Murcia). Además, OléLibros atiende igualmente otras colecciones de narrativa, de artistas plásticos, divulgación, Ites, Mujeres sin límites, entre otras. Lo que viene a confirmar el buen estado de salud de esta empresa con más de 30 años de existencia en el mundo de la edición. No obstante, es a partir de 2012 cuando se constituyen en dos sellos editoriales, Olé Libros y Loto Azul, comienzo de una nueva e ilusionante etapa, en la que se atenderá fundamentalmente a la literatura valenciana. De la colección “Vuelta de tuerca”, como se ha dicho, han visto la luz cinco poemarios, antologías todos. De cada una nos ocupamos a continuación. La primera de ellas la firma el poeta Ricardo Bellveser, una de las voces más interesantes de su generación y del panorama póetico español actual. Voz diferencial, sólida, que bebe de la más culta tradición poética universal. El propio autor, que prologa su antología, alude al hecho de que «Hacer una selección propia de la propia obra, es una de las tareas tan ingratas como insatisfactorias de cuantas me he visto obligado a realizar. El núm. 1 de esta colección corresponde, precisamente, a Ricardo Bellveser, de título “El sueño de la funambulista”, un texto antológico cuya selección ha corrido, como ya hemos dicho, a cargo del propio autor, con la clara intención de acercar al lector a su poesía. Corresponden los poemas a diferentes libros publicados desde 1977 (“La estrategia”) hasta 2016, “Primavera de la noche”. El poema “La casa de los padres”, perteneciente al libro “Las cenizas del nido", con el  que obtiene el premio Gil de Biedma, viene a confirmar su buen oficio y a destacar su singular voz dentro del panorama actual de la poesía española: «La casa de los padres, ahora lo sé, / se transforma en una tibia crisálida, / espesa red de recuerdos aturdidos / que tejen las madres con hilos de seda / mientras nos tienen atrapado el corazón. / Allí pasé de gusano a mariposa, / y emprendí el vuelo si es que andar es volar». Cierra cada antología un poema en contraportada, que en el caso de Bellveser se titula “Nada”, que nos recuerda otros versos de Jose Hierro, y dice así: «La nada, nada es y todo es nada. / Emerge íntegra desde el principio. /En ella, la presencia de un guijarro / engendra la montaña y la desborda. / Una gota fecunda un manantial, / una roca un acantilado hace. / Una sola hoja preludia un bosque. / Plenitudes de nada. Todo en nada». El número 2 de la colección corresponde al poeta y profesor de la Universidad de Valencia, Jaime Siles. Como en el caso anterior la selección de poemas la ha efectuado el autor, señalando así la dificultad que conlleva hacerlo. Sin embargo, nos anuncia que ha querido que los poemas seleccionados mantengan un mismo corpus, de manera que se ha decantado por el hecho de “la identidad”. Comienza la antología con un poema perteneciente a su libro “Génesis de la luz” (1969) y concluye con poemas incluidos en su libro “Horas extra” (2011). Y, ciertamente, el tema principal o el hilo conductor de todos los poemas de esta antología es la cuestión identitaria, el Lenguaje. Esa preocupación por conocer el origen del “yo” en correspondencia con el “tú”, con la otredad. De ahí, tal vez, que haya titulado su antología “Un yo sin mí”, en esa pretensión de hallar todo conocimiento identitario. Nada descubro si digo que el poeta Jaime Siles derrocha luz en cada verso, que el silencioso temblor de su palabra retumba en un eco de voces inextinguibles y su poética el fulgor incandescente del lenguaje: «No está el poema / en las oscuridades del lenguaje / sino en las de la vida. / No está en las perfecciones de su cuerpo / sino en las hemorragias de su herida.  // No está el poema, no, en el lenguaje / sino en el alfabeto de la vida». Ese arraigo de su voz a la tierra, a lo que vive y sueña es, la palabra como eternidad, igual que un beso ascendente al cielo de la luz y los silencios. El poema que aparece en la contraportada se titula “Tinctus colore noctis”. En él la aliteración es un canto, la agridulce música de la palabra: «Tinta la noche extinta, / tíntame, / nocturnidad azul, / de húmedas notas. // Cuanto tiene materia en la memoria / de un cuerpo extinto, / tinta, tíntame». El núm.3 de la colección corresponde al poeta y narrador Rafael Soler, también valenciano, con la antología “Leer después de quemar”. Como poeta ha reunido en los últimos años una valiosa obra, diferenciada de la ortodoxia oficial y donde la ironía y la contundencia del verso son claves de su poética. Los poemas seleccionados por Lucía Comba pertenecen a cinco de sus libros publicados entre 1980, “Los sitios interiores” y 2016, “No eres nadie hasta que te disparan”. Con el libro “Ácido almíbar” obtuvo el Premio de la Crítica Literaria Valenciana 2015. Del poema “Ha llegado la hora de nombrarte”, contenido en el libro “Las cartas que debía”, estos versos como botón de muestra: «…dame los brazos / que tanto necesito para otros // devuelve por favor / la entera mitad de mis afectos / que siempre se enfriaron en tu boca // y si lo estimas oportuno / por tu descanso eterno y por el mío / dame el perdón que no te pido». Para la contraportada de esta antología de Rafael Soler se ha seleccionado el poema “Cuando tu única certeza es el insomnio”, en el cual el poeta reflexiona sobre el tiempo y la vida: «Sé fugaz / y coge entre tus manos cuanto estalla / para efímero buscar / de la primera noche el último rescoldo / dejando para otros la fortaleza insigne / la rotunda vejez interminable / el hábito de amar a las renuncias // y en plenitud porfía / luciendo con orgullo cada herida  pues siempre vivir te costará la vida». “Prenda de abrigo” es el número 4 de la colección y es autoría de la poeta alicantina recientemente fallecida Francisca Aguirre. Su trayectoria poética está avalada por los premios Nacional de Poesía 2011 y el Nacional de las Letras 2018, año este en el que se publica su obra completa bajo el título de “Ensayo General”, ed. Calambur. El libro está prologado por su hija, también poeta, Guadalupe Grande, y en él hallará el lector las claves de la poesía de Paca Aguirre, como se la conoce popularmente. Nos dice su hija en el citado prólogo respecto a la poesía de su madre: «Una prenda de abrigo, todo en la vida de Francisca Aguirre tiene que ver con el deseo de que la palabra sea el abrigo contra la intemperie:  el habla de la memoria, la palabra hecha de amor, la palabra concebida como amistad, la palabra hecha música, la palabra como recordatorio de un sueño». De los 11 libros antologados, que van de “Ítaca” (1972) a “Una larga dolencia” (2018), seleccionamos estos versos pertenecientes al poema “Desanimada, qué palabra triste”, del libro “La herida absurda” (2006), que vienen, de alguna manera, a resumir toda una vida hecha luz en la soledad  de  la palabra y el rumor de la memoria: «Definitivamente amo / el escándalo deslumbrante de la vida. / Muy pocos paraísos comparables / al asombro que nos regala la existencia: / torpe, desesperada, incomprensible, / audaz, consoladora, inabarcable: / “vida y dulzura, esperanza nuestra». Así son los versos de Francisca Aguirre, desgarradores, luminosos, abarcadores, merecedores de ser leídos en la soledad de estancia o a orillas de la mar que siempre quiso. El poeta siempre vuelve a la infancia, a ese claustro de luz y de inocencia; en contraportada del libro podemos leer este poema: «Se sostiene la infancia en nuestra historia / igual que se sostienen las estrellas / porque dentro del firmamento de una vida / algo brilló una vez con inocencia.  (…) Igual que los vilanos y el rocío, / hermosos e intocables, se sostiene la infancia». La quinta y última antología corresponde al poeta murciano José María Álvarez (Cartagena, 1942), que formara parte de aquella corriente alentada por Castellet y denominada Novísimos. Con una larga trayectoria, la presente antología está prologada por la también poeta Noelia Illán, estudiosa de la obra de Álvarez -su maestro-, por la que siente verdadera admiración, y escribe: «En definitiva, he querido aquí conformar un libro de deseo a base de los versos de José María Álvarez que más me han emocionado a lo largo de los años». Amor y sexo, o el deseo que lo resume, en su más amplio sentido se da cita en esta selección de intensa y extensa obra de Álvarez. Versos que para alumbrar el camino del hombre sobre la tierra o allá en la altura del firmamento, versos para sentir los silencios del amor absoluto y en todas sus variantes. Como síntesis nos vale estos versos del poema “Meditación amorosa”: «Huele este cuerpo, acaricia estos cabellos, / mira estos ojos. Mas no pretendas / tenerlos. Aun en la vasta noche del placer, / cuando más tuyos los creas, / estarán tan lejos como la patria de tus padres. / Sólo tu placer es tuyo. / Nunca traspasarás el velo». Para concluir, como en los casos anteriores, reproducimos el poema de contraportada, que lleva por título “Nocturno XII”, y dice así: «En la mujer como en los gatos, / Una extraña diosa muerta anida. / Y la acariciarás en cuántos cuerpos, / Y alguna vez incluso habrás de demorarte / En la luz de unos ojos. / La desearás cuando ya nada desees, /Y si la fortuna llena tus manos / la buscarás para entregársela. / Ante ella caracoleará tu caballo / Y brillará tu espada. / Y ella, muda y ciega, sonreirá. / Y ha de bastarte ese milagro». Cinco antologías, cinco poetas y una editorial, OléLibros,  que apuesta decididamente por la poesía. Ojalá que esta iniciativa sea por muchos años y que la poesía valenciana siga acrecentando, por su demostrada calidad, el número de poetas que conformen la colección “Vuelta de tuerca”, de la editorial OléLibros.

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Un hombre bajo el agua
 Por  José Antonio Santano

Título: Un hombre bajo el agua 
Autor Juan Manuel Gil
Editorial: Expediciones Polares (2019) 

         
                          Un hombre bajo el agua

            En la vida, como en la literatura se ha de estar dispuesto siempre al debate. Afrontar ideas antagónicas o diferentes enriquece a todos. El conocimiento se adquiere precisamente por el discurso de los contrarios, de esa necesaria confrontación (nunca beligerante) de las ideas, donde las armas de los contendientes ha de ser la palabra o la escritura, según se disponga. Desde un punto de vista netamente literario agradezco que se produzca por ser de gran ayuda para conformar una idea propia. La última novela de Juan Manuel Gil (Almería, 1979), “Un hombre bajo el agua”, muy oportuna, por cierto, al contener dicha narración aspectos relacionados con el debate realidad-ficción-autoficción, con independencia de que su autor haya construido una narración muy sugerente, no solo en la temática sino también de la estructura y el acierto de la realidad trascendida. Esta es la historia de un recuerdo que producirá en el escritor una convulsión, una nueva forma de transmitir al lector una manera diferente de entender el hecho literario: «Todo es normal en mi vida. Solo quienes han escuchado en su interior el crujido de dos engranajes que encajan por ver primera saben de qué hablo». “Un hombre bajo el agua”, desde su primera página nos advierte de la grandeza narrativa de Gil, con independencia de que más avanzada su lectura algunos pasajes autobiográficos propicien el debate al que antes nos hemos referido. El elemento primordial que toma Juan Manuel Gil para desarrollar su discurso narrativo es una balsa de agua (acierto total), pues desde ese preciso instante el autor nos sitúa en un lugar desconocido para muchos, que nos sitúa en todo lo que subyace en torno al invernadero almeriense: «Él estaba en cuclillas sobre uno de los muros de la balsa de piedra y corría el verano de 1993. Yo atravesaba un bancal del Paraje de la Costumbre cuando lo vi de espaldas, con el cuello tenso y estirado, mirando fijamente el agua estancada». Así comienza esta novela y habría que ver una de las muchas balsas que existen en el campo de Níjar o el Poniente para hacerse una exacta idea de lo que cuenta Gil en esta historia y de todas las circunstancias que rodean la agricultura del plástico almeriense. Pero sobre todo tendríamos que destacar de esta narración su pulso, la tensión narrativa que nace desde el preciso instante de ese encuentro del protagonista-autor con el Tusmadres en la balsa. Es a partir de ese preciso instante cuando comienza la construcción de esta monumental historia, combinada con el deseo de ser escritor del propio narrador y que irá desgranando a lo largo de las páginas de esta asombrosa novela. Una balsa, un verso, una muerte y el secreto de esa muerte son los hilos que maneja Gil para demostrar un oficio que comienza a dar sus frutos: ser un buen novelista. Tanto en la narración pura y dura, por su ambientación, como en los diálogos Juan Manuel Gil nos permite comprobar su buen hacer, con esa pizca de ironía unas veces y de humor otras, sin perder de vista otros recursos en los que el miedo (el propio que todas las madres inoculan a sus hijos), la mentira (continuada de unos y otros) y la belleza, por qué no, se entrecruzan en la memoria para contarnos una historia que quedará ensamblada y trascendida de la realidad, constituyendo así una otra realidad que ya es ficción, sin más. El amor y sus desajustes, el poder de la memoria y el deseo de saber que sucedió en aquel verano del 93 y unos personajes (Tusmadres, Pensacola, T., Eduardo Huergo, Carmela, Pascual…) que nos llevan de una confesión a otra, de un ser y estar a otro distinto, donde el tiempo y el espacio proporcionan los elementos básicos y determinantes para situar a su autor, el almeriense Juan Manuel Gil, en un lugar notorio de las letras españolas.



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El valle de Murphy
Por  José Antonio Santano

Título: El valle de      Murphy
Autor: Paco Huelva 
Editorial: Niebla (2019)  

                                                           

            En este tiempo extraño que vivimos, o por mejor decir, sobrevivimos todo intento de compartir es bienvenido. Si antes de esta crisis sanitaria alguien nos hubiera dicho que íbamos a estar confinados en nuestras casas sin más, lo habríamos negado con rotundidad. Pero la realidad, y esta es una de esas ocasiones, supera en mucho la ficción. Realidad y ficción, hoy por hoy se nivelan, se acercan hasta confundirse. Esa tarea que estaba encomendada fundamentalmente a los escritores, a los narradores o fabuladores, a los poetas, parece haber sido transgredida y usurpada por un maldito y destructor virus. No obstante, y a pesar de las circunstancias actuales comprobamos, por fortuna, que el poder de la escritura se mantiene vivo en nuestros narradores al gozar, todavía, de una buena dosis de imaginación, de muy buena salud creadora, al fin y al cabo. Es el caso del onubense Paco Huelva (Almonte, 1956), del que comentamos en esta ocasión su última entrega de relatos contenidos en el libro “El valle de Murphy”. Sin en su anterior libro “Los otros que me habitan”, Huelva rastreó y recogió las enseñanzas que le brindó el mundo rural, contadas con magistral oficio, en esta ocasión nos invita a conocer esa su extraordinaria manera de contar pero con narraciones y protagonistas pertenecientes a ese turbio,  misterioso y también vital universo de la ciudad, de lo urbano. En “El valle de Murphy” se dan cita ventiún relatos o cuentos, ilustrados con dibujos del gran artista Víctor Pulido, que también ilustrara su anterior libro, rebautizando así su lealtad a la escritura de Huelva. A los habitantes de una ciudad les acucian problemas de diferente índole y calado que a aquellos que viven en los pueblos, más cercanos al campo, a la Naturaleza. En este sentido habría que significar que, las claves sobre las que sustentará el escritor sus narraciones serán diferentes, porque va a percibir, vivir y sentir un espacio, un lugar, un territorio que, incluso psicológicamente, incidirá real y ficcionalmente de forma disímil tanto en su forma como en su fondo. La mirada del escritor, pues, se inserta en un mundo más complejo si cabe, por su pretenciosidad, por sus continuadas trampas y engaños, por su egocentrismo, por su incomprensible y exacerbado mercantilismo, por su falsa apariencia, y, cómo no, por su devastadora e insolidaria existencia. La ciudad, así, Huelva la convierte en el lugar más adecuado para construir su personal modo de fabular, y todo, sin perder la creciente tensión discursiva de los relatos. Si cuando se adentró en el difícil por asombroso y sorpresivo mundo rural, ahora bucea con verdadero oficio y honda reflexión en los rasgos psicológicos de los personajes que nos presenta, también de esas situaciones incomprensivas unas veces e inverosímiles otras. Es la pasión por la vida lo que mueve a Huelva a crear estas historias tan ricas en imágenes y coherencia narrativa, haciendo que el lector se abisme y se contagie de su buen hacer literario. Paco Huelva no pierde ocasión alguna para mostrarnos un mundo, también submundo, que late en cada una de las narraciones, sean éstas más extensas (“El tecolote mexicano”, “Aventura”, “Caminos paralelos”) o menos, como cuando se trata del microrrelato (“Esperanza”). Igualmente, en un caso u otro, maneja con maestría los hilos que conducen a un rigor narrativo poco frecuente en nuestros días. Para quien quiera aseverar cuanto digo no tiene más que acercarse a este volumen de relatos: Valle de Murphy. Conoce bien Huelva los territorios del alma, también los físicos de lo rural y lo urbano. Tomo prestado unas líneas de su relato “Invasión”, que bien podrían servirnos por su rabiosa actualidad: «La naturaleza, según los biólogos y los genetistas, ha dado un salto conservador para preservar el planeta Tierra de la idiotez de la humanidad. La única solución que encontró, según manifiestan los expertos, es eliminar al ser humano. Ese bicho dañino que llevaba camino de destrozarlo todo, y que ya, afortunadamente, no conseguirá su objetivo». ¿Ficción o realidad?

              
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Reseña sobre el libro "Zéjeles de alborada" 
Por José Antonio Santano 

Autor: Paloma Fernández Gomá
Editorial: Imagenta (Tarifa, 2019) 




Zéjeles de Alborada

Recibe uno con alborozo cada libro que llega a su morada, que no es otra que la biblioteca personal. Libros los hay para todos los gustos, pero tratándose de poesía y si esta, además, viene avalada por la experiencia vivificadora y la emoción latente de su expresión más sublime y bella, que bebe de la más grande tradición andalusí como es el zéjel en su forma más popular de un estribillo de dos versos, a los que siguen otros tres con distinta rima y un cuarto que muda, para finalizar con el estribillo, la satisfacción es mayor. Dicho lo cual conviene decir que su autora, la poeta residente en Algeciras, Paloma Fernández Gomá, ha conseguido crear un texto, “Zéjeles de alborada”, que nos transporta a ese tiempo de Al-Andalus, en el cual la poesía formaba parte de la cultura, de la vida. Fernández Gomá es una poeta de la luz y la memoria, y gusta de adentrarse en las formas tradicionales de igual forma que experimenta otras nuevas, propias del tiempo que le ha tocado vivir. Los zéjeles que nos presenta en este libro son un total de diecisiete, rigurosos en su forma y en su fondo, donde el tema central es el ruiseñor, construyendo así un discurso en el cual la Naturaleza y lo vivido forman un corpus sólido y existencial, interiorizado y hondo a su vez. Es esa mirada atenta y reflexiva, esa luz que no cesa, como así lo fue en su anterior entrega poética, al titular su obra “Iris”, que su autora templa, y que recorre las esencias de la vida, los detalles de la cotidianidad, siempre desde la palabra y el hálito de los silencios que la contienen: «El destello que se filtra en la mirada / y el hueco de la luz en el iris / siempre permanecen / en una vigilia continua / de múltiples connotaciones / que jamás se ausentan…». Paloma Fernández, en su camino hacia la otra luz, nos convoca ahora a vivir un tiempo pasado, un tiempo que sabe a miel, como así saben estos “Zéjeles´de alborada”. Traspasar la frontera y refugiarnos en la palabra precisa, en la belleza del verso rimado: «Trinos de melancolía / con esperanza tardía. // En abril ecos lejanos / de los surcos arcanos / cubren lugares montanos, / sutilmente amanecía. // Trinos de melancolía / con esperanza tardía». La palabra en una música que nos llega de Al-andalus y que aún resiste y vuela hasta el cielo de esta patria madrastra, y que Fernández Gomá preserva y restituye del olvido: «Hoja de almendro vacía / del ruiseñor que huía. // Alborada del Estrecho, / furtiva voz de helecho, / tú habitas en mi pecho, / raíz de Andalucía. // Hoja de almendro vacía / del ruiseñor que huía». Así son estos zéjeles, traducidos también al árabe por Chakib Chairi en este libro, y así también la palabra de su prologuista, el hispanista y profesor de la Universidad de Nador, Aziz Amahjour, cuando escribe: «El libro en su totalidad es un festín de sonido, de melodía y canto. Fruto, sin duda, de un riguroso cuidado -pero que no parece nada forzado- de la estructura del zéjel y de su metro». Con este libro, no cabe duda que nuestra poeta recupera no solo la tradición popular del zéjel, sino que rescata para las nuevas generaciones, una forma de expresividad que incita al amor a la Naturaleza y a su más grande creación: el hombre en su sentido más amplio.
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José Antonio Santano: Nace en Baena en 1957. Autor prolífico  con más de veinte libros publicados. Cultiva la narrativa, la poesía, el ensayo y la crítica literaria, colaborando en numerosas revistas especializadas en Crítica Literaria. Cercano a las  otras culturas del  Mediterráneo, está  desarrollando actualemnte trabajos de investigación sobre este tema.

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Trato Preferente. Voces esenciales de la poesía actual en español

Fue presetnada en el Ateneo de Madrid, la Antología “Trato Preferente. Voces esenciales de la poesía actual en español”, edición y estudio preliminar de Balbina Prior y publicado por Sial Ediciones.
El acto se desarrolló el Salón de Actos del Ateneo de Madrid en la calle Prado 29, Madrid.
Intervinieron en el acto: Miguel Losada, escritor, Balbina Prior, poeta, Basilio Rodríguez Cañada, editor y presidente del PEN Club de España.
Tenemos razones para la celebración de este libro y también el deber de la gratitud de lo que doy como lector de poesía.
Autoras Antologadas: Julia Uceda, Dionisia García, Francisca Aguirre, Mª Victoria Atencia, Pilar Paz Pasamar, María Teresa Espasa; Juana Castro, Mª Cinta Montagut, Noni Benegas, Luz Pichel, Rosa Romojaro, Carmen Ciria, Olvido García Valdés, Ana Rossetti, Herme G. Donis, Chantal Maillard, Dolors Alberola, Maricel Mayor, Angeles Mora, Mercedes Castro, Paloma Fernández Gomá, Julia Otxoa, Maria Antonia Ortega, Lila Zemborain, Concha García, Julia Barella, Ángela Serna, Blanca Andreu, María Rosal, Amalia Bautista, Balbina Prior, Beatriz Hernanz, Josefa Parra, Pilar Sanabria, Mercedes Escolano, Almudena Guzmán, Isabel Pérez Montalbán, Luisa Castro, Ana Merino, Eva Vaz, Miriam Reyes, Mertxe Manso, Vanessa Pérez-Sauquillo y Ana Gorría.

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Trato preferente. Voces esenciales de la poesía actual en español. Balbina Prior. Sial/Contrapunto, Madrid, 2010.

POLIFONÍA MEDITADA DE LA POESÍA
Albert Torés García

Que con buen y justo criterio la editorial Sial publique un volumen consagrado al estudio de poetisas en activo, debería percibirse como un hecho de normalización crítica en el panorama hispano de las letras. Sin embargo salvando el retrato mediático que desesperadamente buscan los entes y las mentes institucionales, la igualdad de género sigue siendo como la alianza de civilizaciones un hermoso propósito que no cuaja por múltiples razones, siendo probablemente la primera la falta de convicción y absoluta hipocresía social.
El libro que nos presenta Balbina Prior Trato preferente. Voces esenciales de la poesía actual en español exige un campo de lectura y búsqueda de sentido común, porque la poesía, es un género de ficción que realizan mujeres y hombres por igual. De hecho, como lector interesado, debemos rechazar de pleno una lectura en clave genérica. La responsable del libro y autora de un magnífico estudio preliminar, sensato, preciso y documentado, Balbina Prior, nos lo ratifica: “ No deseamos hacer distinción sobre la categoría de antología de la que se trata, es decir, voces singulares, por ser féminas, como es habitual en las de su naturaleza”.
En efecto, uno de los propósitos de esta antología que reúne a 45 poetisas, algunas con obras incuestionables, no es tanto el “insertar a las autoras en una tradición femenina exclusiva, un canon paralelo, que sería afianzar la inclusión en el gueto literario, sino la de abrir la obra de las poetisas a la tradición global”.
Sin duda, los méritos y aportes de Balbina Prior están tan fundamentados como compartidos. Su actitud ante la literatura se pluraliza en inquietudes y la expresa a través de la docencia, la prensa, la crítica y la creación. A mi modo de ver, esa condición equilibradora en la unión de crítica y creación le confiere al volumen si cabe, una mayor dimensión significativa. Pues si la escritura creativa implica una crítica interna de la realidad con la selección de ciertos aspectos del mundo para ser recreados, la escritura crítica sigue ese mismo proceso pero ahora frente a la obra literaria. No aceptando como premisa inicial ni la inocencia del lenguaje ni la idea de la crítica neutral, será tarea de la crítica sintetizar lo que la poesía ya hace por definición. La aproximación a la producción de las 45 autoras ofrece al lector todo un abanico de posibilidades para alcanzar la comprensión global de este volumen.
El conocimiento de la tradición literaria, entiéndase el desarrollo continuo de la literatura a través de los tiempos, será instrumental decisivo para presentarnos unos preliminares sin cuya existencia no articularíamos una lectura esperanzadora de la selección de obras. Balbina Prior no cae en los errores de la crítica sumisa que obedece al canon mercantil en virtud del cual se califica y se dicta sentencia de acuerdo con los números de la caja registradora. Siendo justo con las palabras, Trato preferente se aleja de los movimientos marcados por la dictadura elitista. Balbina Prior comprende y nos hace comprender que ejerce el sancionar comparativamente, a gusto de Julio Cortázar, aplicando con corrección las categorías, métodos y recursos que el rigor crítico exige.

Trato preferente es un volumen con escrúpulos y principios bien definidos y con la misma belleza y estimulación estética que presentan los textos de las autoras reunidas, con el mismo camino de recíproca dignidad que crítica y poesía estructuran. Por cuestiones de espacio y especialmente porque Balbina Prior lo hace con maestría en su estudio, no podemos detenernos en la selección de textos poéticos, y casi preferible. Sea el lectora el que desentrañe el sendero a seguir y sin querer desvelar el final, es obvio que encontrará una polifonía poética indispensable en el abanico de las letras hispanas. Una antología de poesía planteada por orden de edición, iniciándose pues con la poesía indispensable de Julia Uceda (1925) hasta llegar a Ana Gorría (1979) pasando por autoras tan absolutamente necesarias como Francisca Aguirre (1930), Pilar Pasamar (1933) Teresa Espasa (1944), Juana Castro (1945) Rosa Romojaro (1948), Ana Rossetti (1950), Chantal Maillard (1951), Dolors Alberola (1952), Paloma Fernández Gomá (1953), Julia Otxoa (1953), Josefa Parra (1963), Mercedes Escolano (1964) o Isabel Pérez Montalbán (1964) hasta formar las 45 participantes, incluyendo la propia responsable del volumen.
Una aventura poética que parte de una polifonía meditada, como fórmula emancipadora y a la vez anunciadora de producciones en activo, merecedoras no ya de la lectura sino de un exhaustivo estudio, en tanto en cuanto a nadie que escapa que el libro de Balbina Prior es ya una referencia indiscutible, salvando precisamente las especificidades que toda selección poemática implica. Los textos propuestos recorren senderos históricos y literarios bien delimitados pero nos llevan siempre al terreno del descubrimiento, a la multiplicidad de posibilidades perceptivas, al campo de las interrogaciones que se plantean, a la renovación poética o cuando menos a las nuevas fronteras de la sensiblidad que puede aprehenderse en esta obra.
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NOSTALGIA DE LA LUZ

Por Paloma  Fernández Gomá 
Cartas y Cortos de León Cohen Mesonero. Hebraica Ediciones. Madrid

El libro Cartas y Cortos del escritor León Cohen Mesonero, lleva como título del prólogo, el cual tuve el honor de escribir hace más de un año “  Nostalgia de la luz “. Hablo de él, sólo para hacer mención de su título, como presentación de la novela, pues Cartas y Cortos es un destello de las vivencias personales y literarias de un excelente escritor  que reside en Algeciras, ya que allí  ejerce su profesión como catedrático en la Escuela Politécnica Superior de esta ciudad y precisamente en  su novela incide la luz de  sus vivencias pasadas, con  cierto aire de nostalgia,  sí como en aquellas  reflexiones que lleva a cabo.
León Cohen es una persona sencilla gran investigador y escritor, pero muy discreto, que prefiere no  frecuentar los escenarios públicos y centrarse en su obra.
Hoy nos ocupa su obra literaria, autor de varios libros: Relatos robados al tiempo, Cabos Sueltos o la Memoria blanqueada; es colaborador de prestigiosas revistas interculturales, su obra ha sido seleccionada en las más destacadas antologías de ámbito internacional, pues cabe resaltar que Cohen nació y residió en Larache, más tarde se trasladó a Algeciras y es representante nato de las tres culturas del Mediterráneo: árabe, hebrea y cristiana; siempre convivió con las tres culturas, temática que trata en sus relatos y dan fe de una comunión ejemplar entre las tres religiones más representativas de nuestra actualidad.
Escribe León Cohen en una nota de autor en el comienzo del libro que comentaos:
Me gusta cuando camino solo y el tiempo lo permite, escribir cartas a cada uno de los seres por los que un día sentí más cosas además de cariño, esos seres convertidos en fantasmas de mi realidad interior, esa “no realidad”  en la que tan bien me desenvuelvo y tan a gusto me siento.
Cartas y Cortos es un libro de narrativa, donde el género epistolar recobra toda su fuerza y se hace expresión vivaz de tantos momentos interpretados de forma directa e incisiva, recorriendo un pasado-presente, que se hace interlocutor de cuestiones personales con rango diferenciador, que las eleva a cuestiones esenciales en la vida de cualquier ser humano.
Entre las  Cartas podemos destacar “Carta a un ciudadano corriente”, donde podemos leer un planteamiento de valores, que marcan las reglas fijas de una conducta, a mi juicio, correcta que ennoblece el alma del hombre, independientemente del sexo, religión o raza. Dice el autor:
Me gusta decir o escribir lo que pienso cuando la ocasión  y el interlocutor se prestan. Cosas como estas:
-En nombre de la tradición, la gente permanece anclada en unas formas pasadas que poco o nada ayudan al progreso del hombre.
-El camino de los nacionalismos acaba casi siempre en Auschwitz.
-La autoestima y el respeto a uno mismo conducen a la estima y al respeto hacia nuestros semejantes.
-Si Dios existe, como si no existe, tenemos la responsabilidad de no permitir que todo esté permitido.
-Ningún hombre, ninguna idea, ninguna institución está por encima de nosotros.
Un total de catorce Cartas cierra este primer capítulo del libro.
De León Cohen ha dicho el escritor y crítico literario Manuel Gahete , que es el autor que con más voluntad de ser, penetra  en el tejido sociológico y costumbrista de las gentes y geografías de Marruecos.
El otro capítulo del libro está conformado por un total de veintiséis Cortos, es decir cuestiones diversas que observan diferentes perspectivas del autor desde distintos ángulos, siempre visionando los aspectos a destacar como focos refulgentes de luz, como si de un corto metraje se tratara, pero es que la narrativa de nuestro autor es rica precisamente en sensaciones buscando los aspectos más existenciales de los personajes o la imagen más significativa..
Un Dictado de convicciones cierra este capítulo bajo el título de su último Corto
“ Cabos por atar “ donde León Cohen saca a examen su ideario humano con una serie de propuestas que conducen a la reflexión de nuestro tiempo, destacando todos aquellos aspectos de actualidad que de una forma u otra están marcando nuestra historia más cercana. Estas observaciones deben conducirnos a una auto reflexión.
Este último capítulo de Cartas y Cortos contiene grandes dosis de psicosociología,  con una llamada de atención hacia la  poesía.
Cartas y Cortos es un libro que ayuda a entender la historia de las Tres Culturas del Mediterráneo, nos acerca la ciudad de Larache y nos habla de los valores eternos del hombre, que están por encima de sus razones de credo o de pensamiento.

Portada del libro Cartas y cortos
Momento de la presentación del libro Cartas y Cortos en Algeciras, en la Fundación José Luis Cano. De izquierda a derecha: Paloma F.G., Pilar Pintor, León Cohen y Francisco Trujillo.